Κάθε νικητής του Palme d'Or από το Φεστιβάλ Κινηματογράφου των Καννών, Βαθμολογήθηκε

Η ετήσια βραβεία των βραβείων τείνει να οδηγήσει την αντίληψη ότι το Όσκαρ είναι το υψηλότερο βραβείο στην κοινότητα του κινηματογράφου. Αλλά για αμέτρητους κινηματογραφιστές και κινηματογράφους σε όλο τον κόσμο, το Palme d ’; Ή βγαίνει μπροστά. Από το 1955, το Φεστιβάλ Κινηματογράφου των Καννών έχει συγκεντρώσει μια διακεκριμένη κριτική επιτροπή των A-listers να παραχωρήσει αυτή την τιμή σε ένα αποκλειστικό τμήμα του διαγωνισμού που περιλαμβάνει μερικούς από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες που έχει γνωρίσει το μέσο.



Αρχικά γνωστό ως Grand Prix, το λαμπερό Golden Palm έχει διαδραματίσει βασικό ρόλο στην προώθηση των σταδιοδρομιών, αλλά εξίσου συχνά πέφτει σε βετεράνους της φόρμας και μέσα σε επτά δεκαετίες οι κριτές αναγνώρισαν μια εκπληκτική σειρά κινηματογραφικών επιτεύξεων. Αλλά ορισμένα από αυτά τα βραβεία ήταν πιο αξιόλογα από άλλα.

Εδώ είναι μια ματιά σε όλους τους νικητές της Palme κατά τη διάρκεια των ετών, που ταξινομούνται με τη σειρά των οποίων πιστεύουμε ότι το άξιζε περισσότερο. Θεωρούμενοι στο σύνολό τους, οι νικητές παρέχουν μια περίπλοκη έρευνα για τον διεθνή κινηματογράφο από τα τελευταία 72 χρόνια και οποιοσδήποτε δεν είναι εξοικειωμένος με αυτούς τους τίτλους θα πρέπει να θεωρήσει τον κατάλογο που ακολουθεί ως βασικό οδηγό προβολής.



71. “; Fahrenheit 9/11 ”; (2004)

Michael Moore στις Κάννες



Laurent Rebours / AP / REX / Shutterstock

Τα βραβεία για το ντοκιμαντέρ του 2004 του Michael Moore είναι εκτεταμένα: μια αναφερόμενη 20λεπτη μακρόχρονη ωοτοκία στις Κάννες, το υψηλότερο box office παίρνει πάντα για έναν ντοκιμαντέρ, το πρώτο (και μέχρι στιγμής μόνο) Palmer d 'rsquo; . Και όμως αυτό δεν σημαίνει ότι είναι αδιαπέραστο από την κριτική ή ότι κρατιέται ακόμη και στα 15 χρόνια από την πρώτη άφιξή του στο Croisette. Τόσο σκλάβοι όσο και slapdash, που κάποτε φάνηκε επείγουσα και ανησυχητική τώρα παίζει απλά σαν agitprop χωρίς πολύ να την αγκυροβολήσουν. Φωνάζοντας μεταξύ της τραγωδίας της 11ης Σεπτεμβρίου, του στρατιωτικού αρχείου του George W. Bush και μιας εκτεταμένης μεταφοράς για την καύση του χαρτιού, είναι μια ταινία που δείχνει την τάση του Moore προς μια αμβλύ μεταφορά, με φαινομενικά χωρίς συγκράτηση. Ο ίδιος ο Moore επέστρεψε από την ταινία με καλύτερη, πιο σφιχτή και πιο εκλεπτυσμένη δουλειά, συμπεριλαμβανομένου και του περασμένου έτους 'Fahrenheit 11/9', που χρησιμεύει ως κομμάτι διόρθωσης της πορείας του προκατόχου του. -KE

70. ”; (1956)

Ο πρώτος αποδέκτης της ταινίας Palme και ένας από τους δύο νικητές ντοκιμαντέρ, ο Jacques Cousteau για τις μελέτες των ωκεανών του στην Καλυψώ πρωτοστάτησε στην υποβρύχια έγχρωμη φωτογραφία. Συν-σκηνοθετείται από τον Louis Malle (παρουσιάζοντας τα πιό πρόσφατα ντοκιμαντέρ του), παραμένει μια οπτικά ισχυρή ταινία, ακόμη και όταν το περιεχόμενό του τώρα αισθάνεται εξοικειωμένο. Εκείνη την εποχή, άνοιξε το μάτι για το κοινό. Η Columbia κυκλοφόρησε θεατρικά στις Η.Π.Α. και κέρδισε επίσης το Oscar Best Documentary Oscar. Είδαμε σήμερα, όμως, ότι δεν έχει ωριμάσει καλά: Η αφήγηση έχει μια αφελλήνια ποιότητα και η κινηματογραφική ταινία υποφέρει από μια δυσάρεστη αίσθηση περιβαλλοντικής απερισκεψίας. -TB

69. ”; (1962)

Ο Francois Truffaut ήταν ένας από τους ενόρκους του έτους που κέρδισε αυτό το σκοτεινό βραζιλιάνικο θρησκευτικό μύθο. Ήρθε το έτος μετά την αιρετική κωμωδία του Bunuel 'Viridiana' που συνδέθηκε με το βραβείο. Αυτή η πολύ πιο διδακτική ιστορία, βασισμένη σε ένα παιχνίδι και κορυφαίο διάλογο (ουσιαστικά γυρισμένο στα βήματα μιας εκκλησίας όπου ένας χωρικός προσπαθεί να κάνει μια προσφορά). Η σύγκρουση έρχεται όταν η φοβισμένη ιεραρχική ιεραρχία φοβάται ότι οι προσπάθειές της παραβιάζονται από το βουντού. Πρόκειται για ένα παράξενο νικητή της Παλμ στην ιστορία. Ήταν υποψήφιος για ξένες γλώσσες Oscar, αλλά ακόμα και με τις διπλές διακρίσεις δεν απελευθερώθηκε στις ΗΠΑ και έπειτα σχεδόν μέχρι το 1964. Την ίδια περίοδο είδε τη γέννηση του κινηματογράφου Cinema Nuovo της Βραζιλίας, ένα από τα σημαντικότερα εθνικά νέα κύματα της δεκαετίας του '60. Παραμένει ο μοναδικός βραζιλιάνος νικητής και η μόνη από τις ταινίες του Duarte για να έχει σημαντική έκθεση στο εξωτερικό. -TB

68. & I, Daniel Blake ”; (2016)

'Εγώ, ο Daniel Blake'

Ο αγγλικός σκηνοθέτης Ken Loach κέρδισε τη δεύτερη του Palme d'Or μετά το 'The Wind That Shakes the Barley' με το τραγικό δράμα μαγειρικής του 2016 'I, Daniel Blake.' Είπε με το εμπορικό σήμα του Loach το θέμα της πραγματικότητας, η ταινία επικεντρώνεται στην ιστορία ενός 59χρονου επιζώντος καρδιακής προσβολής που αγωνίζεται να λάβει οικονομική ενίσχυση από το σύστημα κοινωνικής πρόνοιας της Αγγλίας. Το θέμα είναι σχεδόν πάρα πολύ ζοφερό. Το σενάριο του Λόουκ σφυρίζει σε έναν καταπιεστικό τόνο, προσφέροντας μικρές στιγμές αλαζονείας ή έκπληξη για όσους επιθυμούν να υπομείνουν τις τιμωρίες τους. Μόνο οι δύο παραστάσεις Loach βγαίνουν από τον Dave Johns και οι Haley Squires ανυψώνουν τον αλλιώδη ήχο. Η Squires, ειδικότερα, προσφέρει αξέχαστη δουλειά ως ανύπαντρη μητέρα που συσχετίζεται με τον τίτλο του τίτλου. Το σενάριο του Loach αναγκάζει και τους δύο ηθοποιούς να περάσουν από ένα συναισθηματικό σπρώξιμο και είναι ο τρόπος με τον οποίο βγαίνουν από την άλλη πλευρά με την ανθρωπότητα άθικτη που κάνει το 'Εγώ ο Daniel Blake' να διασχίσει τη γραμμή τερματισμού ως επιθετικό δράμα, αν και δεν μπορεί να ανταγωνιστεί το καλύτερο των Καννών. πολυοξυαιθυλενο λιπαρών

67. “; Η αίθουσα Son ”; (2001)

'Η αίθουσα του Υιού'

'“; Η αίθουσα Son ”; μπορεί να είναι άξια ενός Palme d 'Or, αλλά σίγουρα δεν ήταν αντάξια της Palme d' rsquo · Ή το 2001, όταν το σκοτεινό δράμα της Nanni Moretti έβγαλε μια νίκη πάνω από μια σειρά από στιγμιαία κλασικά όπως το Mulholland Drive, ” . “; Millennium Mambo, ”; και 'Ο άνθρωπος που δεν ήταν εκεί'; (και αυτό μετράει μόνο τις ταινίες ανταγωνισμού που ξεκίνησαν με το γράμμα 'M ”;'). Από εκείνη τη στιγμή, αυτή η φοβερή μικρή ταινία ήταν καταδικασμένη σε μια αιωνιότητα κατάταξης προς το τέλος των καταλόγων όπως αυτή. Και αυτό πιθανώς ανήκει.

Όσο και αν είναι, κερδίζοντας ένα βραβείο που δεν αξίζει καθόλου είναι η χειρότερη αμαρτία που είναι η αίθουσα του Son ”; δεσμεύεται. Ένα εμπορικό σήμα του Brian Eno, το οποίο είναι κρυμμένο σε ένα διασκεδαστικό, διαλογιστικό πορτραίτο μιας σπασμένης οικογένειας που προσπαθεί να ανασυγκροτηθεί, η ταινία του Moretti δεν θα μπορούσε να είναι πολύ απλούστερη: Ο συγγραφέας-σκηνοθέτης αστειεύεται ως θεραπευτής του οποίου η ζωή στρεβλώνεται όταν ο 17χρονος γιος του πνίγει. Τελικά, μετά από πολλή εγχώρια διαμάχη και εσωτερική σκέψη, ο Τζιοβάνι και η σύζυγός του (Laura Morante) έρχονται σε επαφή με τη φίλη του αείμνηστου γιου του και την προστάζουν για να τους βοηθήσουν να προχωρήσουν από την απώλειά τους - μια διαδικασία που κατά κανόνα περιλαμβάνει την ακρόαση του Eno ’; s “; από τον ποταμό αυτό ”; (ίσως το πιο απογοητευτικό τραγούδι που γράφτηκε ποτέ) ξανά και ξανά. “; Η αίθουσα Son ”; ίσως να μην είναι η πιο καινοτόμος ή φιλόδοξη ταινία για την πρεμιέρα στο Croisette (στην πραγματικότητα, μπορεί να είναι ένα από τα λιγότερα), αλλά κατανοεί τις τρομερές αιτίες θλίψης και επιδεικνύει συναρπαστικά την οδυνηρή συνειδητοποίηση ότι η απώλεια κάποιος σημαίνει ότι δεν θα τα πάρει ποτέ πίσω. -DE

66. &dquo; Dheepan ”; (2015)

'Dheepan'

Ο νικητής του Jacques Audiard, ο οποίος είχε προηγουμένως κερδίσει δύο μεγάλα βραβεία στο φεστιβάλ (το καλύτερο σενάριο για τον «Έγινε ένας ήρωας» και το Grand Prix για έναν «προφήτη»), «η νίκη του Dheepan δεν ήταν' ιδιαίτερα εμπνευσμένο. Το 2015 ήταν επίσης το έτος 'Son of Saul', 'Ο Δολοφόνος', 'Carol' και 'Ο Αστακός' που έκανε πρεμιέρα στο Διαγωνισμό και παρόλο που κανείς δεν άφησε το Croisette με άδειο χέρι, ήταν δύσκολο ακόμη και εκείνη τη στιγμή να μην νιώθεις Είχαν αλλάξει. Το 'Dheepan' έχει σίγουρα τις στιγμές του, από τις εντυπωσιακές του κάρτες στον τίτλο του Antonythasan Jesuthasan στον ρόλο του τίτλου, αλλά η βίαιη, τρίτη πράξη της δράσης του φαίνεται να έχει αρθεί από κάποια άλλη, μικρότερη ταινία. -MN

65. ”; (2006)

Ο Βρετανός σκηνοθέτης Ken Loach θέτει με το βραβείο Palme D'on που κέρδισε για την ταινία του 'Ο άνεμος που κλονίζει το κριθάρι'

Christophe Karaba / EPA / REX / Shutterstock

Ο πρώτος και περισσότερο αξίζει τον νικητή των δύο Palme d'Or του Ken Loach, 'Ο άνεμος που κουνάει το κριθάρι', δεν είναι πάντα χρονομετρητής. Ο Cillian Murphy και ο Pádraic Delaney πρωταγωνιστούν ως δύο αδέλφια που προσχώρησαν στον IRA για να πολεμήσουν για την ανεξαρτησία της Ιρλανδίας το 1920, με τον Loach να κατευθύνει από ένα σενάριο από τον συχνού συνεργάτη Paul Laverty. όπως και τα περισσότερα από τα πρόσφατα έργα του κινηματογραφιστή, αυτό το δράμα του πολέμου είναι καλά τοποθετημένο αλλά στερείται του πνεύματος που έκανε τα 'Kes' τόσο επιθετικά. Αυτό δεν τον εμπόδιζε να συνεχίσει να είναι το αγαπημένο του στις Κάννες - έκανε πρεμιέρα σε δωδεκάδες ταινίες και, εκτός από αυτά τα δύο Palmes, κέρδισε κάπως το βραβείο της Κριτικής Επιτροπής για το 'The Angels 'Share' - και, ακόμη και αν ο 'The Wind Που κουνάει το κριθάρι 'δεν είναι η ωραιότερη ώρα του, είναι δύσκολο να του συγχωρήσετε την τιμή. -MN

64. “; Το τύμπανο ”; (1979)

Volker Schlöndorff ’; s “; Το τύμπανο ”; κάπως κατάφερε να δέσει την 'Αποκάλυψη Τώρα' για να κερδίσει τον κόσμο του κινηματογράφου ’; s μεγαλύτερη τιμή πέρα ​​από τις 'Ημέρες του Ουρανού ”; και “; η λαμπρή καριέρα μου ”; (και σκεφτήκατε ότι το 'χτύπημα' του Brokeback Mountain ήταν μια ντροπή). Προσαρμοσμένη από την Günter Grass ’; αλληγορικό αυτοκόλλητο μυθιστόρημα, το επικό σύνθημα του Schlöndorff μιλάει για την παράξενη ιστορία ενός ξανθιά αγόρι που ονομάζεται Oskar Matzerath (David Bennent), ένας Τζέφρεϊ Μπαράθαιον που έδειξε ένα τύμπανο για τα τρίτα του γενέθλια και τότε οι όρκοι ποτέ δεν γερνούν.

Το έτος είναι το 1927, ο κόσμος προσπαθεί να αποκαταστήσει ένα είδος ρυθμού μεταξύ των πολέμων και ο μικρός Οσκαρ δεν ενδιαφέρεται να διαδραματίσει ρόλο σε οποιεσδήποτε φρικαλεότητες πρόκειται να έρθουν στη συνέχεια. αυτός ο ασυναγώνιστος μικρός ταραχοποιός - ένας σταθμός για όλους τους Γερμανούς που έσκαψαν τα κεφάλια τους στην άμμο - απλά θέλει να χτυπήσει στο τύμπανο του και να ουρλιάζει στην κορυφή των πνευμόνων του κάθε φορά που παίρνει πονηρός (οι κραυγές του είναι δυναμικές να σπάσουν ποτήρι). Ο Bennent, ο οποίος ήταν 12 ετών κατά τη διάρκεια των γυρισμάτων, προσφέρει μια ισχυρή, αδιάλυτη απόδοση που παίρνει κάτω από το δέρμα σας και μένει εκεί για σχεδόν τρεις ώρες, αλλά η φανταστική αφήγηση δεν βρίσκει σταθερό ρυθμό και ακόμα και τα πιο ανησυχητικά επεισόδια του επιφάνεια των ιδεών που παρουσιάζονται στο Grass ’; Βιβλίο. Oskar μπορεί ποτέ να πάρει παλιά, αλλά η ταινία του κάνει. -DE

63. ”; (2005)

Η Cannes αγαπά μερικούς σκηνοθέτες όπως οι αδελφοί του Dardennes, οι οποίοι έλαβαν μέρος στο δύο φορές το club Palme d'Or με το 'Το παιδί' το 2005. (Το κέρδισαν στο παρελθόν για το 'Rosetta' του 1999 και θα πήγαιναν για να πάρουν το σπίτι Best Screenplay για 'Η Σιωπή της Λόρνας' και το Grand Prix για το 'Το παιδί με ποδήλατο'). Ένα άλλο παράδειγμα της συγγένειάς τους για ρεαλισμό χαμηλού κλειδιού που επικεντρώνεται στον καταπιεσμένο, ακολουθεί τις μισές καρδιές των νεαρών, εξωφρενικών ζευγαριών μια ύπαρξη μετά από έναν γιο - ο οποίος, με την άπειρη σοφία του, ο πατέρας (συχνά συνεργάτης της Dardenne Jérémie Renier) πωλεί σε ένα δαχτυλίδι υιοθεσίας μαύρης αγοράς. Οι περισσότερες από τις κινηματογραφικές ταινίες των αδελφών λειτουργούν σε αυτόν τον τομέα, αλλά λίγοι είναι τόσο κινούμενοι - ή αξίζουν τις δάφνες των Καννών. -MN

62. & Marty ”; (1955)

Νικητής του πρώτου Palme d 'rsquo Ή, Delbert Mann & Marty ”; φαίνεται πολύ χαμηλό να κερδίζεις ένα από αυτά τα βραβεία, πόσο μάλλον και τα δύο. Η ιστορία ενός κρεοπωλείο στο Bronx (Ernest Borgnine) που παραιτήθηκε από μια ζωή γιορτής - μια επαίσχυντη κατάσταση εκείνη την εποχή - η ταινία βασικά ακολουθεί τον αυτοαποσπαστικό χαρακτήρα τίτλου της, καθώς αναζητά ένα κορίτσι σαν «παθιασμένο ” . όπως είναι, και στη συνέχεια προσπαθεί να μην αφήσει εκείνο που βρίσκει (Betsy Blair) να γλιστρήσει μέσα από τα δάχτυλά του.

'Marty'

Είπα με την αυστηρότητα ενός δράματος Ozu και τη θλίψη-το-πρόσωπο-in-the-λάσπη θλίψη του 'κάνει δρόμο για το αύριο, “; Marty ”; είναι μια μοναδική ιστορία αγάπης για την καρδιά που αισθάνεται πολύ μεγαλύτερη από ό, τι φαίνεται στην επιφάνεια, ειδικά όταν η μητέρα του ήρωα (Esther Minciotti) έρχεται στο προσκήνιο και συνειδητοποιείτε πόσο λίγα θα έπρεπε να κρατήσει τα πράγματα μαζί. Οι χαρακτήρες στο σενάριο του Paddy Chayefsky είναι προϊόντα της εποχής τους (μια στιγμή, στην οποία οι μάρτυρες του Marty είναι η ημερομηνία για φιλί καλής νύχτας, μπορεί να είναι ιδιαίτερα δύσκολο να καταπιεί για τους σύγχρονους τηλεθεατές), αλλά υπάρχει μια απτή διαχρονικότητα στους γιεν και τις επιθυμίες τους , και η κλιμακωτή αλήθεια του Μάρτυρα μεταφέρει ένα σύμπαν της ανθρώπινης επιθυμίας σε λίγες μόνο σύντομες προτάσεις. Με άλλα λόγια, η ταινία του Mann &39; s έχει ακόμα περισσότερα να προσφέρει παρά είναι μια μοιραία απάντηση στο 'Quiz Show.' ”; -DE

61. ”; (1957)

Στο διάσημο δράμα του William Wyler του 1956 που βασίζεται στο μυθιστόρημα του Jessamyn West το 1945, η πίστη και ο πασιφισμός μιας ειρηνικής οικογένειας Quaker, υπό την ηγεσία του Gary Cooper, δοκιμάζονται κατά τον εμφύλιο πόλεμο. Η Dorothy McGuire και ο Anthony Perkins στρογγυλεύουν το κύμα μιας ταινίας για μια οικογένεια που αγωνίζεται να διατηρήσει την ταυτότητά της εν μέσω σύγχυσης και καρδιάς κατά τη διάρκεια του πολέμου. Οι θριαμβευτικές εμφανίσεις, όμορφα πυροβόλησε μαζί με ένα μεγάλο σκορ από τον Dimitri Tiomkin, ενισχύουν αυτήν την ζεστή και όμορφη ιστορία που δείχνει ότι, όταν πρόκειται για το τι είναι στο επίκεντρο της οικογένειας, δεν υπάρχει πραγματικά τόσο μεγάλο χάσμα μεταξύ της σημερινής και της Πριν 150 χρόνια. Η ταινία μπορεί να μην είναι το πιο περιπετειώδες κινηματογραφικό επίτευγμα στην ιστορία των νικητών του Palme d'Or, αλλά προτάθηκε για έξι βραβεία της Ακαδημίας, μεταξύ των οποίων η καλύτερη φωτογραφία, ο καλύτερος σκηνοθέτης και ο καλύτερος ηθοποιός σε ρόλο υποστήριξης. -ΠΡΟΣ ΤΟ

60. “; Οι καλύτερες προθέσεις ”; (1992)

Η Bille August της Σουηδίας κέρδισε δύο φορές το Palme d'Or. Ο Ingmar Bergman δεν έκανε ποτέ για κάποια ταινία, αν και του απονεμήθηκε μια ειδική Palme ως ο καλύτερος διευθυντής που δεν είχε κερδίσει ποτέ στην 50ή επέτειο του φεστιβάλ. Αυτή η ταινία μεγάλου μήκους τριών ωρών από μια προορισμένη μεγαλύτερη τηλεοπτική εκπομπή (παρόμοια με τη δική της 'Fanny and Alexander' του Bergman, η οποία υπάρχει και στις δύο εκδόσεις) ακολουθεί την ιστορία της παιδικής ηλικίας της ταινίας με μια κάπως κερδοσκοπική ματιά στη σχέση των γονιών της. Με βάση το σενάριο του Bergman (επέλεξε τον σκηνοθέτη), η σύζυγός του Pernilla (ένα προηγούμενο αστέρι Bergman) έλαβε το βραβείο Καλύτερης Ηθοποιίας. Ο Max von Sydow επίσης πρωταγωνίστησε. Η αμερικανική απελευθέρωσή της την είδε μεταξύ των 10 κορυφαίων ετικετών του 1992, αλλά μόνο με ένα μικρό κομμάτι από αυτό που έκανε και ο 'Fanny' κατώτερος από το 'Fanny' ή το 'Pelle' του Αυγούστου. 'Pelle.' Ο Αύγουστος ακολούθησε μια ολοένα και πιο συμβατική σειρά ταινιών κύρους (συμπεριλαμβανομένου του 'The House of the Spirits' και του μη μουσικού 'Les Miserables' του 1998), το οποίο είδε πρόσφατα εκτός της Σουηδίας. -TB

59. &x201; Pelle the Conquerer ”; (1988)

Ο Σουηδός σκηνοθέτης Μπιλ Αύγουστος έγραψε και σκηνοθέτησε αυτό το σαρωτικό έπος του 19ου αιώνα, το οποίο φέρει κάποια ομοιότητα με τις επιτυχίες του Jan Troell με τους 'Οι μετανάστες' και 'The New Land' με τον Max Von Sydow. Αυτή τη φορά, ο βετεράνος Ingmar Bergman αστέρες ως φτωχός ηλικιωμένος Σουηδός που μεταναστεύει στη Δανία υπόσχεται στον νεαρό γιο του Pelle (Pelle Hvenegaard) μια καλύτερη ζωή. Αντ 'αυτού, βρίσκουν υποτέλεια σε ένα βίαιο αγρότη (Axel Strøbye), ο οποίος στεγάζει τους νέους του εργαζόμενους στο κοτόπουλο του. Μετά από φοβερή κακομεταχείριση, ο Pelle προσαρμόζεται, μαθαίνει δανέζικα και βρίσκει το δρόμο του, ενώ ο γηραιότερος πατέρας του Lasse βρίσκει την αγάπη με μια μοναχική γυναίκα του οποίου ο λείπεις σύζυγος, δυστυχώς, επιστρέφει μετά από χρόνια στη θάλασσα. Η μεγαλύτερη παραγωγή προϋπολογισμού της Σκανδιναβίας (4,5 εκατομμύρια δολάρια), που παράγεται από τη Δανία και τη Σουηδία και πυροβολήθηκε από τον κινηματογράφο Jorgen Persson, κέρδισε το 1988 Palme d'Or, βραβεία κριτικών και το Oscar για τη Δανία. Το 'Pelle the Conqueror' παραλήφθηκε για διανομή σε όλο τον κόσμο. χάρη σε μια αποτελεσματική ώθηση μάρκετινγκ της Miramax (κέρδισε 2 εκατομμύρια δολάρια στη Βόρεια Αμερική), ο Von Sydow σημείωσε το πρώτο του βραβείο Όσκαρ για τον Καλύτερο Ηθοποιό για την καρδιακή του απόδοση ως σπασμένος άνθρωπος ο οποίος στο τέλος του κινηματογράφου δεν μπορεί να αντιμετωπίσει εκ νέου τον εαυτό του τον γιο του προς την Αμερική. -ΣΤΟ

58. “; Το μπλε είναι το πιο ζεστό χρώμα ”; (2013)

'Το μπλε είναι το πιο θερμό χρώμα'

Η μόνη ταινία σε αυτόν τον κατάλογο για να μοιραστεί το κορυφαίο βραβείο με τα αστέρια της, ο τριανταετής ρομαντισμός του Abdellatif Kechiche έκανε γνωστά την εμφάνισή του στις Κάννες πριν κερδίσει την Palme d 'rsquo · ή - χώρισε τρεις τρόπους μεταξύ του σκηνοθέτη και των δύο ηθοποιών του. Βασισμένο σε ένα γραφικό μυθιστόρημα, η ταινία είναι μια σεξουαλική ιστορία ηλικίας για μια νεαρή δασκάλα που ονομάζεται Adele (Adela Exarchopoulos), η οποία βρίσκει τον εαυτό της άμεσα σε μπλε μαλλιά lothario Emma (Lea Seydoux). Το δωμάτιο σταματάει όταν κοιτάζει ο ένας τον άλλο σε ένα γεμάτο κλαμπ και αρχίζουν μια υπόθεση που τροφοδοτείται με σφοδρή επιθυμία, που έχει ως αποτέλεσμα τρεις επικές σεξουαλικές σκηνές. Ενώ το υπερβολικό μήκος (και ακροβατικά) των σκηνικών κρεβατοκάμαρας έθεσε φρύδια, είναι εκπληκτικά όχι τόσο μακριά όσο αισθάνονται. Αλλά δεν είναι μόνο οι σεξουαλικές σκηνές που είναι μακρές: Η δέσμευση του Kechiche για ρεαλισμό εκτείνεται σε μακριές βολές του Adele να τρώει σπαγγέτι, να διδάσκει μικρά παιδιά και να ντους. Ακόμα, ακόμη και με τη διαμάχη γύρω από την ταινία, δεν θα ρίξουμε 'το μπλε είναι το πιο ζεστό χρώμα' εκτός κρεβατιού. -KE

57. ”; (1986)

Δύο χρόνια μετά τη δημιουργία ενός πραγματικά ευοίωνου ντεμπούτο με το 'The Killing Fields', ο Roland Joffé απέφυγε την πτώση του δευτεροετούς φοιτητή (και έπειτα μερικοί) κερδίζοντας το Palme d'Or. Ο Robert De Niro και ο Jeremy Irons τον βοήθησαν σε αυτήν την αποστολή ως μισθοφόρος και ιερέας ιερέας, αντίστοιχα, στη Νότια Αμερική του 18ου αιώνα, των οποίων οι προσπάθειες να εξαπλωθεί η καλή λέξη δεν χαιρετίζονται από τους φιλοξενούμενους οικοδεσπότες τους. (Αν αυτό μοιάζει σχεδόν με τη «Σιωπή» του Martin Scorsese, είναι - και αυτές οι δύο ταινίες θα κάνουν το διπλό χαρακτηριστικό.) Η αποστολή τους δεν είναι εύκολη, αναζωπύρωση ή και επιτυχής, αλλά χρησιμεύει ως υπενθύμιση πόσο ισχυρά θέματα πίστης και πνευματικότητας μπορούν να γίνουν όταν τα χειριστούν σωστά - κάτι που λείπει πάρα πολύ στα περισσότερα δράματα που βασίζονται στην πίστη. Μέσα από όλα αυτά, προσπαθούν να θυμηθούν ένα βασικό απόσπασμα από τη Βίβλο: «Το φως λάμπει στο σκοτάδι και το σκοτάδι δεν το ξεπέρασε». -MN

56. ”; (1966)

Το 'Signore e Signori' ήταν ο Ιταλός τίτλος του, αλλά το αγγλικό (που χρησιμοποιείται για την αμερικανική του απελευθέρωση μέσω του Warner Bros.) μεταδίδει τον τόνο αυτής της τριμερούς κωμωδίας μη σχετικών επεισοδίων. Omnibus Οι ηπειρωτικές ταινίες ήταν κοινές στη δεκαετία του '50 και '60, αλλά συνήθως με παραγωγούς που χρησιμοποιούν πολλαπλούς σκηνοθέτες σε μια προσπάθεια που σχετίζεται με θέματα. Σε αυτή την περίπτωση, ο σκηνοθέτης Pietro Germi, μετά από το 'Divorce, Italian Style' και 'Seduced and Abandoned' (μοιράστηκε ένα Όσκαρ για το γράψιμο του πρώτου), ήταν ένας γύρος νίκης σε μια εποχή που ήταν δεύτερος μόνο σε Fellini μεταξύ ιταλικών σκηνοθετών σε δημοτικότητα στις ΗΠΑ Η ταινία, με παραμύθια μοιχείας, ανικανότητας και ανήλικου παραπλανητικού, μοιράστηκε την Palme με τον «Ένας άντρας και μια γυναίκα» του Claude Lelouch. Οι δύο ταινίες - που εξετάζονται μισό αιώνα αργότερα - χρησιμεύουν ως πρωταρχικά παραδείγματα έκανε έκκληση στα εγχώρια ακροατήρια σχετικά με τον ευρωπαϊκό κινηματογράφο την εποχή εκείνη. -TB

55. “; Η κλάση ”; (2008)

Η σπάνια ”; που δεν κάνει τον κεντρικό χαρακτήρα του καθηγητή είτε ως αισιόδοξος, είτε ως «τρελός πειθαρχίας», την προσαρμογή του Laurent Cantent & του François Bégaudeau (που ασχολείται και με την ταινία) με ημι-αυτοβιογραφικό μυθιστόρημα για τις δικές του εμπειρίες διδασκαλίας είναι να βρούμε τις αποχρώσεις μεταξύ των πραγμάτων (και των ανθρώπων). Ίσως οι γονείς του Cantent - και οι δύο καθηγητές - να ευχαριστηθούν, ή το cast κυρίως των μη ηθοποιών, ή το σενάριο του Cantent, ελεύθερου τροχού, βέβαια βαρύ. Το γεγονός ότι ούτε το Cantent ούτε το Bégaudeau ήταν πολύτιμο με το υλικό είναι σαφές και το αποτέλεσμα είναι μια ταινία που έζησε, που επανεμφανίζει ήσυχα το υπο-είδος (ένα γαλλικό συρραπτικό) εξερευνώντας το με ρεαλισμό και αγάπη. Τα παιδιά που ολοκληρώνουν το υπόλοιπο cast - πραγματική εφηβεία, τι μια ιδέα! - να χαράξουν μοναδικούς χώρους για τους εαυτούς τους και, όπως και ο δάσκαλος τους, να μην δώσουν ποτέ σε συνέδριο ή τράπα. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο ο Cantent είναι σε θέση να εξερευνήσει ευκολότερα τις μεγαλύτερες ερωτήσεις, προσπαθώντας να κάνει μια ταινία για τις διαφορές που συχνά καθιστούν προφανείς σε ένα εκπαιδευτικό περιβάλλον - από το πνευματικό έως το οικονομικό - χωρίς να χτυπήσει κανέναν πέρα ​​από το κεφάλι μαζί τους. Σε μια περίοδο ενός έτους, η περιστασιακά σκηνοθετημένη ταινία μεταβάλλει τις ζωές καθώς το ημερολόγιο τσιμπουρίζει και όταν το σχολείο βγαίνει για το καλοκαίρι, είναι δύσκολο να μην αισθάνεσαι λίγο θορυβώδες για όλα όσα έχουν έρθει πριν. -KE

54. Η εργατική τάξη πηγαίνει στον ουρανό & Η υπόθεση Mattei ”; (1972)

Μια σπάνια περίπτωση ενός έτους με συν-νικητές που θα έκανε επίσης ένα τέλειο διπλό χαρακτηριστικό ρεπερτόριο. Και οι δύο από την Ιταλία, με πρωταγωνιστή τον Gian Maria Volonte, και οι δύο που εμπλέκονται αριστερά θέματα, είναι μια κάψουλα φορά ένα είδος της δεκαετίας του 1970 ευρωπαϊκό κινηματογράφο. Και οι δύο προέρχονταν από διάσημους διευθυντές - η Petri, από ένα πιο γενικό / γενικό πλαίσιο, μόλις κέρδισε το Όσκαρ ξένων γλωσσών για τη 'Investigation of a Citizen Above Suspicion', και η Ρόσι πέτυχε την πρωτοπορία στις αρχές της δεκαετίας του 1960 για το 'Salvatore Giuliano'. Mattei Affair 'ήταν ένα τυπικό παράδειγμα του τι βοήθησε το' Giuliano 'ως ένα είδος βιοφίλμ. Είτε παίρνοντας άμεσα μια ιστορική φιγούρα είτε παρουσιάζοντας μια λεπτόκοκκη απεικόνιση, παρουσίασε μια εικόνα που καταπολεμά τη διαφθορά (συχνά στην κυβέρνηση, αλλά και στις επιχειρήσεις και στη μαφία). 'Z' λίγο πριν, το 'Stavisky' του Alain Resnais είναι άλλα πρωταρχικά παραδείγματα για το τι η BFI, στην αναδρομική της ταινία της Rosi, που ονομάζεται «cine-investigation», ταινίες που εξέθεσαν το έγκλημα και την αδικία, συνήθως στις υψηλότερες τάξεις της κοινωνίας. Το 'Mattei' αφορούσε κυβερνητικό αξιωματούχο, ο οποίος αμφισβήτησε την ιταλική ολιγαρχία πετρελαίου, και στη συνέχεια πέθανε σε μια μυστηριώδη συντριβή αεροσκάφους με κατηγορίες που την σχεδίασε η βρετανική κυβέρνηση.

Σήμερα κατατάσσεται κάτω από τις κορυφαίες ταινίες της Rosi, οι οποίες μαζί με το 'Giuliano' περιλαμβάνουν τα 'Χέρια πέρα ​​από την πόλη', αργότερα 'Ο Χριστός σταμάτησε στο Eboli' και 'Three Brothers.' Απελευθερώθηκε στις ΗΠΑ από Paramount σε ελάχιστες επιπτώσεις. (Η επόμενη ταινία του Rosi, 'Lucky Luciano', με τον Rod Steiger ως το θρυλικό mob mob είχε μια πολύ ευρύτερη θέση απελευθέρωσης 'The Godfather'). Εν πάση περιπτώσει, ήταν πιο εμφανής από την ελάχιστη απελευθέρωση που αναγνωρίστηκε στην 'Working Class' : 'Lulu the Tool') από τον πρόσφατα σχηματισμό και συχνά πολιτικό New Line Cinema. Ο Lulu είναι εργαζόμενος σε ένα εργοστάσιο, αγαπημένο από τους προϊσταμένους του για την παραγωγικότητά του και χωρίς να κουνιέται με βάρκα. Οι συνάδελφοί του δεν τον συμπαθούν. Όταν χάνει ένα δάκτυλο σε ένα ατύχημα, η ζωή του αρχίζει να ξετυλίγεται και αρχίζει να αποξενώνεται από τον κόσμο. Αυτή ήταν η μεσαία ταινία στην αποκαλούμενη «τριλογία νεύρωσης» του Petri ('η έρευνα' ήταν η πρώτη). Εδώ όχι μόνο οι ιδιοκτήτες αλλά και οι συνεργάτες του είναι στόχοι κυνισμού, με επίκεντρο τον συμπαθητικό αρσενικό χαρακτήρα που έχει χάσει την έδρα του (η ταινία αισθάνεται σαν ένα πρότυπο για την κάπως λιγότερο πολιτική σειρά ταινιών της Lina Wertmueller λίγο αργότερα με τον Giancarlo Giannini). Τόσο η 'Ματέτα' όσο και η 'εργατική τάξη' αισθάνονται σαν κάψουλες μιας εποχής του παρελθόντος, με ιδιαίτερα έντονη τοπική έκκληση (και οι δύο ήταν μεγάλες επιτυχίες στην Ιταλία) - είναι πολιτικοί, νευρικοί, θυμωμένοι και θυμίζουν ένα είδος κινηματογράφου που άνθισε σύντομα, αλλά δεν είχε ποιότητα διαχρονικότητας. -TB

53. ”; (2009)

'Η Λευκή Κορδέλα'

Ο Μιχάλης Χάνεκε θέλει να σπρώξει τα κουμπιά του κοινού και σίγουρα το έκανε αυτό για άλλη μια φορά με αυτό το μαύρο και άσπρο δράμα της εποχής που είναι υποκειμενικά για την άνοδο του ναζισμού. Ορίστηκε την παραμονή της δολοφονίας του Αρχιεπισκόπου Ferdinand το 1914 στη μικρή βόρεια Γερμανική πόλη Eichwald, 'The White Ribbon' ακολουθεί αρκετές διαφορετικές οικογένειες που δεν συνειδητοποιούν ότι η ύπαρξή τους πρόκειται να καταστραφεί για πάντα. Μεγάλο μέρος της ταινίας είναι για τα παιδιά, που παρουσιάστηκαν ως ξαδέλφια των ξένων τύχες στο 'χωριό των καταραμένων'. Η επίπτωση; Αυτή είναι η ναζιστική γενιά σε πρωτότυπη μορφή. θα μεγαλώσουν και θα κατευθύνουν όλες τις φρίκες που ακολουθούν. Η κριτική επιτροπή των Καννών διαπίστωσε ότι η ανάγνωση του φασισμού και της καταγωγής του είναι βαθύτατη. Το εάν είναι πράγματι είναι αμφισβητήσιμο. αυτό που δεν αμφισβητείται είναι ότι η κινηματογραφική ταινία της ταινίας είναι εξαιρετικά ατμοσφαιρική, όπως μια άσκηση της τελευταίας ημέρας στο γερμανικό εξπρεσιονισμό, δυσοίωνες σκιές που χυτεύονται από φύλλα που έχουν χτυπηθεί από τον άνεμο και όλα. Το Dread βγαίνει από κάθε σκηνικό, καθιστώντας τη ταινία του Haneke μια σπλαχνική εμπειρία, ακόμα κι αν κάποιος το επιθυμεί, ήταν τόσο διεγερτικό για τη διάνοια. -CB

52. & 'Αποχαιρετισμός μου Concubine ”; (1993)

Για μια στιγμή, όταν ο Chen Kaige έκανε ένα πολυτελές επικό που χτύπησε τα 'likes' του 'Naked ”; και 'Το Puppetmaster ”; για το Palme d 'rsquo · Ή το 1993, φαινόταν σαν να θα εμφανιστεί ως η καθοριστική φωνή της λεγόμενης «πέμπτης γενιάς»; των κινεζικών κινηματογραφιστών. Δυστυχώς, δεν ήταν σκόπιμο να είναι? Παρακολούθηση της Chen &, Temptress Moon, ”; αντιμετωπίστηκε από προβλήματα παραγωγής και λογοκρισίας, και δεν έχει ακόμη ανακάμψει πλήρως. Αλλά ακόμα κι αν ο Chen είχε καταφέρει να επεκτείνει την κρίσιμη και εμπορική επιτυχία που απολάμβανε με το επικό του παρασκήνιο παρασκηνίου της Όπερας του Πεκίνου, 'Αποχαιρετήστε το Concubine μου' θα μπορούσε να θυμηθεί ως το κόσμημα στέμμα στην κορυφή της καριέρας του.

Όπως συμβαίνει με πολλές ταινίες πέμπτης γενιάς, 'Αποχαιρετήστε το μου Concubine' πλαισιώνεται από την αναταραχή της Πολιτιστικής Επανάστασης, αλλά το αριστούργημα του Chen είναι ξεχωριστό για τη μεγαλοπρέπεια της κλίμακας, το μελόδραμα της ιστορίας της και την έννοια των τραγουδιών της. Πάνω από 50 χρόνια, η ταινία ακολουθεί δύο χαρακτήρες από την παιδική ηλικία μέχρι το θάνατο, καθώς ανατίθενται σε συγκεκριμένους ρόλους σε μια αρχαία παράδοση και αναγκάζονται να διατηρούν τα μέρη τους, όπως μετασχηματίζει ο κόσμος γύρω τους (οι Leslie Cheung και Zhang Fengyi παίζουν τους πρωταγωνιστές ως ενήλικες, ενώ ο σπουδαίος Γκονγκ Λι εμφανίζεται ως ο τραγικός κωπηλάτης που έρχεται ανάμεσα τους, αν και όχι με τον τρόπο που θα περίμενε κανείς). Μια πλούσια και συναρπαστική μαρτυρία του γεγονότος ότι η πολιτική συγκαρτησία είναι το άθροισμα ενός δισεκατομμυρίου προσωπικών ιστοριών, 'Αποχαιρετάω την κόκορα μου'. χάθηκε από τον Harvey Weinstein για την αμερικανική απελευθέρωσή του, αλλά η πλήρης περικοπή των 171 λεπτών - σε τρομερή ανάγκη αποκατάστασης - πετάει με ένα φλας καρδιάς. -DE

51. ”; (1997)

Ο Ιάπωνας δάσκαλος Shohei Imamura μοιράστηκε την Palme με τον Abbas Kiarostami & 'Γεύση του Cherry ”; για αυτό το τεταμένο δράμα σχετικά με τις δεύτερες πιθανότητες. Η ιστορία περιστρέφεται γύρω από το Takuro (Koji Yakusho), ένας άνδρας φυλακισμένος για τη δολοφονία της άπιστης συζύγου του και αναγκάστηκε να ξαναφτιάξει τη ζωή του αφού απελευθερώθηκε από τη φυλακή. Μετά το άνοιγμα ενός κουρείου, αναγκάζει έναν δεσμό με τον απελπισμένο Keiko (Μις Σιμίζου) και τελικά παίρνει τράβηξε στα σχέδιά της δράματά του με έναν τοπικό δανειστή καρχαρία. Το Imamura ήταν ήδη μια σημαντική μορφή του Ιαπωνικού Νέου Κύματος, όταν παραδίδει αυτή την απορροφητική ενσάρκωση του θυμού και της ευπάθειας που σιγοβράζει κάτω από την επιφάνεια της σύγχρονης ταυτότητας της χώρας του και είναι μια ιδανική εισαγωγή στο έργο του - οικεία, γεμάτη ηθικά ασάφεια και ζοφερή σε ένα σφάλμα, καταφέρνει επίσης να χτυπήσει ένα σημάδι τρυφερότητας σχετικά με την επιθυμία να συνεχιστεί ακόμα και όταν οι προοπτικές φαίνονται ζοφερές. -EK

50. “; Σκιάχτρο ”; (1973)

Ο σκηνοθέτης Jerry Schatzberg μοιράστηκε την Palme του 1973 με το 'The Hireling ”; για αυτή την κλασική ενσάρκωση της μεγαλύτερης δεκαετίας για τον αμερικάνικο κινηματογράφο που κατασκευάστηκε στούντιο. Το αμφιλεγόμενο δράμα βρίσκει δύο αδυσώπητους άνδρες (Al Pacino και Gene Hackman στο ύψος της κινηματογραφικής τους έκκλησης) που ενώνουν τις δυνάμεις τους για να ξεκινήσουν μια επιχείρηση, καθώς κάνουν ένα δυστυχισμένο ταξίδι για να επανασυνδεθούν με τους παλιούς συγγενείς που έχουν μετακινηθεί χωρίς αυτούς. Στη διαδικασία, καταλήγουν στη φυλακή (για το χαρακτήρα του Hackman ’, για δεύτερη φορά) και προσπαθούν να ξαναγυρίσουν τη ζωή τους, με μικτά αποτελέσματα. Αλλά αυτές οι προσπάθειες είναι κυρίως ένα εφαλτήριο για την πρώτη πραγματικά μοντέρνα ταινία φίλων, καθώς το ζευγάρι αναπτύσσει μια μοναδική συνύπαρξη που οι άλλες σχέσεις τους στη ζωή δεν θα μπορούσαν ποτέ να προσφέρουν. Με το ένα-δυο γροθιές του 1971 & panic in Needle Park ” και αυτή η συγκλονιστική μελέτη του σεροτονικού χαρακτήρα, ο Schatzberg απέδειξε ότι ήταν ένας από τους πιο εντυπωσιακούς αμερικανούς σκηνοθέτες που θα εμφανιστούν σε αυτή τη σεβαστή δεκαετία - και παραμένει ένας από τους λιγότερο εκτιμημένους. -EK

49. ”; (1985)

Ο Emir Kusturica, ένας σέρβος Yugloslav, είχε κάνει μόνο ένα χαρακτηριστικό πριν αυτός ήταν ο νικητής έκπληξη του 1985. Είναι ο πρώτος από τους δύο αποδέκτες του Palme ('Underground' το 1995 θεωρείται το αριστούργημά του). Αν και δεν είναι αυτοβιογραφικό, κάνει αυτοβιογραφικές σκιές στην αναψυχή της πρώτης δεκαετίας της Γιουγκοσλαβίας και πώς η περίπλοκη πολιτική της (συμπεριλαμβανομένου του διχασμού από τη Μόσχα) επηρέασε τη ζωή ενός έξιχρονου αγοριού. Λέει ότι ο πατέρας του, στην πραγματικότητα πολιτικός κρατούμενος, ταξιδεύει για δουλειά. Αυτή η μακρόχρονη ιστορία περιλαμβάνει μια πλούσια ποικιλία υπερμεγεθών χαρακτήρων, μια γήινη εκτίμηση των αγώνων τους και ικανότητα αντιμετώπισης (παρόμοια με τις προηγούμενες Τσεχικές ταινίες Νέου Κύματος, Kusturica σπούδασε ταινία στην Πράγα) και μια παθιασμένη αγάπη της περίπλοκης χώρας λίγο πριν το τέλος του κομμουνισμού και της καθόδου του σε εμφύλιο πόλεμο. Το κλειδί για την επιτυχία του είναι η ευαισθησία που μεταφέρεται από την άποψη ενός μικρού αγοριού. Ο ίδιος ο Kusturica ενεργεί συχνά και είναι επίσης μουσικός καλλιτέχνης. Η εμπειρία του και στους δύο τομείς δίνει επιπλέον χρώμα σε αυτή την ταινία. -TB

48. ”; (2017)

'Το τετράγωνο'

Τρία χρόνια μετά το ντεμπούτο της επιθετικής μαύρης κωμωδίας του 'Force Majeure ”; στο φεστιβάλ, ο σουηδός σκηνοθέτης Ρούμπεν Östlund επέστρεψε με μια νέα ανάληψη σε ένα ακόμη ίδρυμα που έχει ανάγκη από μια δίκαιη σκάλισμα. Ενώ “; Ανωτέρα Βία ”; πήρε την οικογενειακή μονάδα και την έννοια της αρρενωπότητας, 'The Square ”; πήγαν μετά από τον κόσμο της καλλιτεχνικής τέχνης και μάλιστα πρόσφεραν κάποιες μοναδικές προοπτικές στη σύγχρονη θηλυκότητα στη διαδικασία. Κυρίως μια συστολή της αγοράς της σύγχρονης τέχνης και η διάδοση των κοινωνικών μέσων, 'The Square' αγκαλιάζει το εξωφρενικό του χιούμορ με ορισμένες εκπληκτικές καλές επιδόσεις, από την Claes Bang έως την Elisabeth Moss. Παρόλα αυτά, αυτό το κομμάτι τέχνης του Terry Notary είναι ένα κομμάτι τέχνης με πλήρη γκάζι που οδηγεί πραγματικά την ταινία. Έχει πετάξει εδώ ως Oleg, ένας άνθρωπος που δρα σαν ένας πίθηκος και καταφέρνει να πάρει το ακροατήριό του - τόσο στην ταινία όσο και στο θέατρο - να νιώσει ένα τρομακτικό φάσμα συναισθημάτων. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο η τέχνη - ακόμα και στις πιο άκρως ακραίες συνθήκες - είναι για αυτό και εκεί όπου ο Östlund συνεχίζει να βρει τους δικούς του τρόπους για να υπερέχει. -KE

47. ”; (1975)

Η ταινία Gillo Pontecorvo 'Η μάχη του Αλγέρι', ένα αριστούργημα που είπε από την πλευρά του αλλοδαπού για το πόλεμο ανεξαρτησίας της χώρας αυτής από τη Γαλλία, ζωγραφίζει τον αγώνα σε αστικό περιβάλλον. Το «Χρονικό των Χρόνων της Φωτιάς» έγινε από έναν Αλγερινό, από την αραβική άποψη, περίπου τα 15 χρόνια πριν ο πραγματικός πόλεμος ξέσπασε το 1954. Αυτή η ταινία τριών ωρών είναι γνωστή και οικεία στην απεικόνιση των χαρακτήρων της και μια καλή ιστορική εισαγωγή στο θέμα, αλλά δεν διαθέτει το κινηματογραφικό πεδίο που επέτυχε ο Yuossef Chahine της Αιγύπτου, ο πλοίαρχος του Αφρικανικού κινηματογράφου Sarahan. Η ταινία συναντήθηκε με απειλές θανάτου, όταν εμφανίστηκε στις Κάννες, με θυμό ανάμεσα στις πένες-νέους - τους Ευρωπαίους πολίτες της Αλγερίας όταν ήταν μια γαλλική επαρχία - που σιγοβράζονταν ακόμα. Δεν έλαβε ποτέ μια συμβατική αμερικανική θεατρική απελευθέρωση και παραμένει ελάχιστα γνωστή εδώ μέχρι σήμερα. -TB

46. “; Rosetta ”; (1999)

Τα αδέλφια του Βελγίου, Jean-Pierre και Luc Dardenne, κέρδισαν το πρώτο τους από τα δύο Palme d ’; Ors για αυτό το σημαντικό έργο κοινωνικού ρεαλισμού, το είδος που κάνουν καλύτερα από οποιονδήποτε σήμερα. Η ιστορία του νεαρού έφηβος (Émilie Dequenne, η οποία κέρδισε την καλύτερη ηθοποιό στο φεστιβάλ) που αγωνίζεται με τη ζωή σε ένα πάρκο τρέιλερ με την αλκοολική μητέρα της είναι μια απόσταξη του Dardennes ’; η ικανότητα να σκάει απορροφώντας απεικονίσεις της κατώτερης τάξης ζωής μέσα από εντυπωσιακές προσωπικότητες και αργή καύση αγωνία. Η αναζήτηση της Rosetta για να βρει δουλειά σε ένα τοπικό κατάστημα βαφλίων, ακόμη και εις βάρος του ευγενικού ανθρώπου που εργάζεται εκεί, βασίζεται σε μια σειρά από περιστατικά αηδιασμού στα οποία η ιστορία απειλεί να μεταφερθεί σε ένα τέχνασμα εγκληματικότητας. Αλλά οι Dardennes είναι πιο έξυπνοι από αυτό και να κρατήσουν το κοινό γαντζωμένο υπονοώντας τη δυνατότητα των απογοητεύσεων της Rosetta πάνω από το περιβάλλον να προκαλέσουν τρομερές περιστάσεις, ακόμη και επειδή κρατούν το δράμα ριζωμένο στην ψυχολογική αβεβαιότητά της. Το διφορούμενο φινάλε δεν είναι αρκετά ευχάριστο, αλλά καταφέρνει να μεταφέρει την ματαιοδοξία προσπαθώντας να διορθώσει ένα σπασμένο σύστημα - πραγματικά, τίποτα που η Rosetta δεν μπορεί να αλλάξει την κατάστασή της - υπονομεύοντας τις προοπτικές επιβίωσης μιας άλλης μέρας μέσω συντροφιάς. Η ταινία δείχνει πόσο οι Dardennes ήταν σε θέση να δημιουργήσουν τη δική τους εκδοχή του νεορεαλισμού με βάση γύρω από τις σύγχρονες ανησυχίες του Βελγίου. Πάνω απ 'όλα, 'Rosetta ”; εικονογραφεί το Dardennes ’; αγωνιζόμενος για τη συγχώνευση των επίμονων κοινωνικών σχολίων με την πρώτη αγωνία. Είναι ένα δραματικό δράμα από κινηματογραφιστές που υπερέχουν στον μετασχηματισμό του mopey naturalism σε έντονες σπλαχνικές εμπειρίες. -EK

45. “; Η ενοικίαση ”; (1973)

Δύο χρόνια μετά το πρωτάθλημα του Joseph Losey που κέρδισε στις Κάννες, μια δεύτερη προσαρμογή ενός μυθιστορήματος σχετικά με την παράνομη αγάπη ανάμεσα στην αγγλική υπαίθρια αριστοκρατία μοιράστηκε κορυφαίες διακρίσεις (με το 'The Scarecrow'). Σκηνοθεσία του Alan Bridges, παλαιότερα γνωστούς για σκηνοθεσία θεατρικών έργων που παρουσιάστηκαν στο BBC, αυτός πρωταγωνίστησε τον Robert Shaw ως οδηγό που εμπλέκεται με τη Sarah Miles ως πλούσιο εργοδότη του. Δεν είναι 'οδήγηση της κυρίας Daisy', αλλά αντ 'αυτού περισσότερο από μια κριτική μελέτη του τρόπου με τον οποίο οι προοπτικές λοξοτομημένες από τις ταξικές διαφορές μπορούν να οδηγήσουν σε βλάβη και να βλάψουν. Αυτό είχε πολύ μικρότερο αντίκτυπο από την προηγούμενη ταινία του Losey, αν και οι δύο έλαβαν εγχώρια κυκλοφορία μέσω της Columbia. Οι γέφυρες συνεχίστηκαν κυρίως με τηλεοπτική δουλειά, αν και αργότερα η «Η επιστροφή του στρατιώτη» και «Το πάρτι σκοποβολής» έλαβαν μικρή προσοχή την επόμενη δεκαετία. -TB

44. “; Το Knack και πώς να το πάρετε ”; (1965)

Η παρακολούθηση του Richard Lester στο κλασικό Beatles 'Η νύχτα της σκληρής ημέρας' είναι ένας άλλος κινητικός, χριστουγεννιάτικος βαλεντίνων στην ταλάντευση της δεκαετίας του '60. Αυτή η ασπρόμαυρη κωμωδία ρομαντικών τρόπων, προσαρμοσμένη από τους Lester και Charles Wood από το παιχνίδι της Ann Jellicoe, κάνει μια χορωδία πολύχρωμων παλαιότερων Λονδρέζων να σχολιάσει τα σεξουαλικά ηθικά των νεαρών, που ενσωματώνονται από τον ντράμερ Tolen (Ray Brooks). Έχει 'την ικανότητα' των προσγειωμένων κοριτσιών, ενώ ο λιγότερο ομαλός και ασκούμενος δάσκαλος Colin (Michael Crawford) δεν το κάνει. Για να μάθει από τον πλοίαρχο, ο Colin κινείται με τον Tolen για να παρακολουθήσει από πρώτο χέρι τις τεχνικές της αποπλάνησης. Καθώς αποκτά ένα μεγαλύτερο τεράστιο αφίσα, συναντά τη Nancy, έναν ντροπαλό χαμογελαστό γουαμίν από τη χώρα που ψάχνει για το YWCA (Rita Tushingham), που τον βοηθά να μεταφέρει το κρεβάτι πίσω στο μπαστούνι, όπου ο Colin δεν θέλει να μοιραστεί με την φίλη του. Παραβλέπονται παρεξηγήσεις όταν ο Νανσί λιποθυμεί και πιστεύει ότι έχει βιαστεί από τον Τολέν. Ο Λέστερ όχι μόνο έχει τους ηθοποιούς να απευθύνονται στην κάμερα, αλλά χρησιμοποιεί τεχνικές διαζευκτικής επεξεργασίας, αστείες υπότιτλους και ένα ζωντανό σκορ John Barry. (Η Jane Birkin, η Charlotte Rampling και η Jacqueline Bisset ξεκίνησαν όλες τις μακρές σταδιοδρομίες με αυτή την ταινία.) Η ταινία σημείωσε έξι υποψηφιότητες BAFTA μετά την έκπληξη της Palme d'or να κερδίσει στις Κάννες. -ΣΤΟ

43. ”; (1996)

'Μυστικά και ψέματα'

Το Mike Leigh μπερδεύει το οικογενειακό δράμα κλασσικά αστέρια Marianne Jean-Baptiste ως νεαρή μαύρη οπτομετρία που, μετά το θάνατο των υιοθεσιών της, αποφασίζει να εντοπίσει τη βιολογική μητέρα της, την οποία ανακαλύπτει είναι μια λευκή γυναίκα (Brenda Blethyn). Το χάος που είναι η οικογενειακή ζωή της μητέρας παρέχει πολλές ζωοτροφές για το δράμα. Όπως και με κάθε έργο του Mike Leigh, η σκηνοθεσία είναι πρώτης τάξεως, χάρη σε μεγάλο βαθμό στις μεθόδους του κινηματογραφιστή - δούλεψε το σενάριο κατά τη διάρκεια αρκετών περιόδων πρόβας με το cast που διήρκεσε μήνες. Τα αποτελέσματα περιλαμβάνουν κάποιες πολύ αξιόπιστες παραστάσεις, καθώς οι ηθοποιοί συνέβαλαν στη δημιουργία των χαρακτήρων. Και η ασυναγώνιστη φωτογραφία του κινηματογράφου Dick Pope υπογραμμίζει την αισθητική του docu-drama του κινηματογράφου. Η Marianne Jean-Baptiste έλαβε την υποψηφιότητα για το βραβείο Όσκαρ για την καλύτερη ηθοποιό που την υποστηρίζει, καθιστώντας της την πρώτη μαύρη βρετανίδα ηθοποιό που θα διοριστεί για το βραβείο Όσκαρ. -ΠΡΟΣ ΤΟ

42. & 'Άνδρας και γυναίκα' (1966)

Από τον σκηνοθέτη Claude Lelouch έρχεται αυτό το 1966 κλασικό - ένα τρυφερό, οπτικά αναδευόμενο φιλμ αναζωογόνησης αγάπης μεταξύ χήρας και χήρου: ένας οδηγός αγώνα δρόμου (Jean-Louis Trinignant) και ένα κορίτσι κινηματογραφικής ταινίας (Anouk Aimee) ενώ εξισορροπεί τις απαιτήσεις της σταδιοδρομίας και της γονικής μέριμνας. Είναι μια συγκινητική, ρεαλιστική ματιά σε έναν ανερχόμενο ρομαντισμό ενηλίκων, με κάθε συμμετέχοντα να επιβαρύνεται με μια προηγούμενη τραγωδία, προκαλώντας τους να προχωρήσουν με ευκολία. Η ταινία είναι επίσης γνωστή για το πανέμορφο σκορ του Francis Lai. Ο νικητής των Όσκαρ για την καλύτερη ξένη ταινία και ο καλύτερος πρωταγωνιστικός σεναριογράφος, είναι πολύ πιθανόν μία από τις πιο γλυκείς ερωτικές ιστορίες που έχουν συλληφθεί ποτέ στην οθόνη. Μία κατώτερη συνέχεια, 'A Man and a Woman: 20 Years Later' κυκλοφόρησε το 1986, και ο Lelouch σχεδιάζει να ολοκληρώσει αυτό που θα είναι μια τριλογία, με μια τρίτη ταινία στο Premiere στις Κάννες το 2019. -ΠΡΟΣ ΤΟ

41. ”; (1961)

Λίγο ειρωνικά, δεδομένου του αντίκτυπου του κινήματος στη Γαλλία, κανένας γάλλος σκηνοθέτης του New Wave δεν κέρδισε ποτέ το Palme d'or. Παρά το γεγονός ότι το κίνημα έφθασε στο ύψος του από το 1961, η ντεμπούτο ταινία του Henri Colpi, επίσης Γαλλικού, μοιράστηκε το βραβείο (με τη 'Viridiana' του Bunuel), η ταινία του οποίου δεν ήταν μέρος του κινήματος. Ο Colpi ήταν συντάκτης (έκοψε τη 'Hiroshima' του Resnais, mon amour, 'και συνέχισε στο σκάφος κατά καιρούς για το υπόλοιπο της καριέρας του). Παρά την αρχική νίκη, αυτός και η ταινία παραμένουν ελάχιστα γνωστοί, τουλάχιστον έξω από τη Γαλλία. Σήμερα θεωρείται σαν μια ταινία περισσότερο από την 'Παράδοση της Ποιότητας' στην γαλλική ταινία που ο Τρούφουτ καταγγέλλει περίφημα το 1954. Η Alida Valli έχει τρέξει ένα προαστιακό μπιστρό μόνο στο Παρίσι από τότε που ο σύζυγός της δεν επέστρεψε από στρατόπεδο POW του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου. Ένα αμνησιακό τράμπα που μοιάζει με αυτόν εμφανίζεται, με την αληθινή του ταυτότητα ασαφής. Η ταινία θυμίζει τα γαλλικά δράματα της δεκαετίας του '30 και του '40, από σκηνοθέτες όπως ο Carne, ο Pagnol, ο Duvivier και άλλοι που αντιπροσώπευαν περισσότερο συμβατικό βιοτεχνικό και αφηγηματικό και λιγότερο προσωπικό στυλ. (Η ευνοϊκή αναθεώρηση του περιοδικού New York Times του Bosley Crowther ξεκινά με την παραδοχή ότι είναι διαφορετική από τις πρόσφατες γαλλικές ταινίες.) Ξεχωριστά από το πλαίσιο της, αυτή είναι μια ιστορία που περιλαμβάνει πολλές και ευχάριστες στιγμές. -TB

40. ”; (1978)

Το δέντρο των ξύλινων σακακιών ”; είναι ένας θρίαμβος του νατουραλισμού, όπως σχεδόν τίποτα άλλο στον κινηματογράφο, και αισθάνεται σαν την τελική κατάσταση του ιταλικού νεορεαλισμού - ότι μετά το έπος του Ermanno Olmi ’; δεν υπάρχει τίποτα άλλο να πάει στη μορφή. Ο Olmi μιλάει για αυτή την τριήμερη ιστορία τεσσάρων οικογενειών που ζούσαν και εργάζονταν σε μια τεράστια κοινοτική φάρμα στο Μπέργκαμο, στην Ιταλία, στις αρχές του 20ού αιώνα. Έγινε ολοσχερώς ζωντανός από τοπικούς μη ηθοποιούς που μιλούσαν στη λεγόμενη Bergamasque dialect. Το μεγαλύτερο μέρος της ταινίας είναι μόνο βινιέτες της αγροτικής ζωής: οι χαρακτήρες τραγουδούν, ενώ σαρκάνουν καλαμπόκι, παρακολουθούν μάζα, ασχολούνται με το φαινόμενο της αποστολής ενός γιου στο σχολείο αντί να τον δουλεύουν, περνώντας από την περίπλοκη διαδικασία της σφαγής ενός χοίρου την παραγωγή αυτής της ταινίας). Δεν είναι περίεργο ότι είναι μία από τις αγαπημένες ταινίες του Mike Leigh και το Κριτήριο Blu-Ray του 'The Tree of Wooden Clogs'. αντιλαμβάνεται πόσο έχει προστεθεί από το γεγονός ότι οι μη-ηγέτες που είναι εξοικειωμένοι με τη ζωή των αγροκτημάτων κάνουν τα πράγματα που εξοικειώνονται. (Η Leigh αστειεύεται σχετικά με το πόσο ανόητη είναι η ιδέα της «πόλης» να μαθαίνει να σφαγιάζει έναν χοίρο.) Η ζωή των γεωργικών εργατών αντιπαραβάλλεται με τη ζωή των πλούσιων γαιοκτημόνων για τους οποίους αφιερώνουν το τεράστιο μέρος της εργασίας τους είδος σύγχρονης φεουδαρχίας. Ο Olmi βρίσκει τη χάρη στο έργο του και θέτει σκηνές της δουλειάς τους στο Bach, ενώ οι γαιοκτήμονες ’; τα παιδιά παίζουν στρίψιμο Mozart rondos στην κλαβίκορ. Συζητήστε για να πάρει το πολιτικό μέσω subtext. -CB

39. & All That Jazz ”; (1980)

'Όλη αυτή η τζαζ'

Πόσο λυπηρό το γεγονός ότι ο F / X έκοψε την ιστορία της ζωής του Bob Fosse σε μια miniseries όταν ο ίδιος το έβαλε όλα έξω τόσο χαριτωμένα σχεδόν πριν από 40 χρόνια. Ένα από τα σπουδαία πρωτότυπα κινηματογραφικά μιούζικαλ, όπως τα σπάνια βλέπουμε, η ταινία αντικατοπτρίζει ανεπηρέαστα το '8 1/2' του Federico Fellini στη χαλαρά αυτοβιογραφική, ελαφρώς φανταστική του ιστορία ενός εγωμανιακού καλλιτέχνη και των γυναικών που τον περιστρέφουν. Η ταινία χαρακτηρίζεται από μια πυρετωδώς χαρισματική παράσταση από τον Roy Scheider ως Fosse stand-in Joe Gideon, καθώς και από τις θρύλους στα δικά τους δικαιώματα Jessica Lange και Ann Reinking. Το ξεχωριστό στυλ και η ξεχωριστή χορογραφία του Fosse ήταν πάντα ωραία για την ταινία, αλλά το γεγονός ότι έγραψε (με τον David Alan King) και σκηνοθέτησε ένα τέτοιο οδυνηρό παιχνίδι θνησιμότητας δεν είναι μικρό επίτευγμα. -JD

38. & Μ * Α * S * Η * ”; (1970)

Εξακολουθεί να είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς τι πρέπει να αισθανόταν να παρακολουθήσει την ταινία του Ρόμπερτ Άλτμαν, που δεν ήταν συμβατική, παράλληλα με την κωμωδία, ενώ η χώρα ήταν διασκεδασμένη στην καταστροφή του Βιετνάμ. Σε μερικά μέρη ήταν μια κωμωδία μαύρη όπως ο Δρ. Strangelove, ”; αλλά με έναν απολιτικό παραλογισμό που είναι σχεδόν πιο επικίνδυνος. Η επεισοδιακή ταινία ήταν γεμάτη με κωμικές ακολουθίες, όπως όταν ένας χαρακτήρας, χωρίς πόνο, αποφασίζει να αυτοκτονήσει σε μια περίοδο ανικανότητας. Το πλήρωμα MASH εκτελεί ένα Μυστικό Δείπνο για να διαχειριστεί το θανατηφόρο χάπι - συμπληρώνεται με το τραγούδι 'Η αυτοκτονία είναι ανυποψίαστη', που θα γινόταν το θεαματικό τηλεοπτικό show - το οποίο δεν είναι τίποτα άλλο από ένα περίπλοκο σχέδιο για να τον βάλει. Η πειραματική χρήση του Robert Altman για πολύ καιρό παίρνει γεμάτη με χαρακτήρες οι οποίοι είναι μεμονωμένα μικροσκοπικά και συνεχίζοντας διάφορες συνομιλίες που αισθάνθηκαν σαν μια ριζοσπαστική αναχώρηση για μια κωμωδία που κυκλοφόρησε στούντιο. Η έκπληξη Palme d ’ Ή ο νικητής θα συνεχιστεί να γίνει ακόμα μεγαλύτερο έκπληκτο χτύπημα και πολιτισμικό φαινόμενο. CO

37. “; Elephant ”; (2003)

'Ελέφαντας'

Μια από τις πιο συναρπαστικές ταινίες για να κερδίσει το Palme d'Or, ο Gus Van Sant 'Elephant' εμπνέεται από τη σφαγή του Columbine High School για να δημιουργήσει ένα πορτρέτο της Αμερικής που υπαινίσσεται το δρόμο προς την τραγωδία. Το σενάριο του Van Sant αποτελείται από ελάχιστο διάλογο, με τους ηθοποιούς να αυτοσχεδιάζουν ένα μεγάλο μέρος από το διάδρομό τους. Το αποτέλεσμα δίνει στο 'Elephant' την αίσθηση ενός ντοκιμαντέρ, με τον Harris Savides ’; ολισθαίνοντας κάμερα δημιουργώντας ένα επίπεδο χωρίς νόημα που αυξάνεται μόνο σε κλειστοφοβική ένταση μόλις ξεκινήσουν οι πυροβολισμοί. Ο 'ελέφαντας', ο οποίος πήρε το σπίτι του Palme d'Or το 2003, είναι μια αδιάφορη ιστορία της αμερικανικής τραγωδίας που οι περισσότεροι Αμερικανοί δεν θέλουν να δεχτούν, γι 'αυτό δεν είναι περίεργο ότι η ταινία δεν έκανε παρόμοια αντίκτυπο στο κράτος όπως έκανε στις Κάννες. πολυοξυαιθυλενο λιπαρών

36. “; Λείπει ”; (1982)

Για μια στιγμή εκεί, κανείς δεν έκανε πολιτικά θρίλερ αρκετά σαν αυτά της Costa-Gavras. Αφού κέρδισε το βραβείο της κριτικής επιτροπής για το 'Z' του 1969, επέστρεψε 13 χρόνια αργότερα με το 'Missing' για να κερδίσει το μεγάλο. Σε μια από τις καλύτερες (και λιγότερο αστείες) παραστάσεις του, ο Jack Lemmon παίζει τον Edmund Horman, του οποίου ο γιος Charles εξαφανίστηκε (διαβάστηκε: δολοφονήθηκε) κατά τη διάρκεια του πολέμου της Χιλής το 1973. Ο Lemmon ενώνεται με τον Sissy Spacek ως η νύφη του Horman, με την ταινία να παίρνει μια όλο και πιο απελπιστική, σχεδόν κλειστοφοβική διάθεση, όσο περισσότερο συνεχίζεται. Αυτό οφείλεται εν μέρει σε μια χαρακτηριστική πυκνή βαθμολογία από τον Βαγγέλη, για να μην πούμε τίποτα για την αληθινή ιστορία στην οποία βασίζεται το «Λείπει», και ο Κόστα Γαβράς καταδικάζει όλους όσους εμπλέκονται στην τραγωδία χωρίς να τους αναφέρει ποτέ ονομαστικά. Για τις προσπάθειές του κέρδισε όχι μόνο το Palme d'Or αλλά μοιράστηκε ένα βραβείο Όσκαρ για το σενάριο της ταινίας με τον συν-συγγραφέα Donald E. Stewart. παρά το γεγονός ότι γιορτάζεται αλλού, η ταινία απαγορεύτηκε στη Χιλή. -MN

35. ”; (1993)

'Το πιάνο'

Jan Chapman Prods / Miramax / Kobal / REX / Shutterstock

Στο ντεμπούτο του Ραντεβού για το ντεμπούτο της ταινίας των Cannes Palais στο ρομαντικό δράμα της δεκαετίας του 1850, οι κριτικοί κλαίνε την ιστορία ενός μοναχικού, ατυχώς παντρεμένου σιωπηλού πιανίστα (Holly Hunter) που προτιμά έναν πρωτοποριακό πρωτοπόρο της Νέας Ζηλανδίας (Harvey Keitel) σύζυγος (Sam Neill). Είκοσι τρία χρόνια αργότερα, στέκεται μόνη της ως η μόνη γυναίκα σκηνοθέτης σε μια θάλασσα από άνδρες νικητές του Palme d'Or, ο Campion ευχήθηκε στην εορταστική εκδήλωση της 70ης επετείου των Καννών. Καμία άλλη γυναίκα δεν έχει πάρει το βραβείο. Και ο Campion είναι μία από τις πέντε γυναίκες που θα διοριστούν για τον Καλύτερο Διευθυντή Όσκαρ. πήρε τη νίκη (για πρωτότυπο σενάριο) μαζί με τον Hunter για τη συναισθηματική σιωπηλή της παράσταση και την Anna Paquin ως την προσεκτική κόρη της. Αυτή η απαράμιλλη και οικεία ταινία κρατάει την πάροδο του χρόνου και εξακολουθεί να προσφέρει μια συναισθηματική γροθιά. -ΣΤΟ

34. “; If … ”; (1969)

Το έτος μετά την ακύρωση των Καννών λόγω διαμαρτυρίας των φοιτητών, ήταν φυσικό ότι το Palme d 'rsquo Ή θα έπρεπε να απονεμηθεί σε μια ταινία για μια αιματηρή εξέγερση στο πλαίσιο μιας πανεπιστημιούπολης. Ένα εξαγριωμένο δράμα που τολμά να σκεφτεί την ανοδική πορεία της επαναστατικής βίας (και τελειώνει με ένα σωστά δικαιολογημένο σχολικό γυρίσμα, στο οποίο οι μαθητές αρχίζουν να ανοίγουν φωτιά στους γονείς και τους δασκάλους τους), η ταινία ονομάζεται “; όπως στο “; if … ο καθένας το έκανε αυτό σήμερα, θα κατέστρεφε τη σταδιοδρομία κυριολεκτικά κάθε εμπλεκόμενου ατόμου. ”;

αρχεία x επεισόδιο 4

Αλλά η Lindsay Anderson ποτέ δεν φοβόταν να στείλει ένα προειδοποιητικό σφυρί πάνω από το τόξο της κουλτούρας εγκατάστασης της Βρετανίας και κανένας δεν ήταν ο αστέρας Malcolm McDowell, του οποίου η παράσταση ήταν έκτο από τον μη-διαμορφωτικό Mick Travis - έναν χαρακτήρα που θα αναπαράγεται στο 'O Lucky Man ! ”; και 'Britannia Hospital' - χρησιμεύει ως ακρόαση για το ρόλο που θα παίξει στο 'A Clockwork Orange ”; τρία χρόνια μετά. Σε μια χρονιά των Καννών που περιείχε επίσης το 'Easy Rider' και 'Z', ”; “; Αν … ”; ήταν πολύ μακριά από τη μόνη ταινία για να βγάλει μια χειροβομβίδα στο status quo, αλλά το όραμα του Anderson είναι τόσο αδιάφορο και εμπρηστικό που διαφέρει. Είναι σπάνιο ότι μια ταινία μεταδίδει μια άμεση απειλή από τη μια γενιά στην άλλη, και 'αν' αντηχεί ως ένα αδιάψευστο λείψανο μιας εποχής που η ποπ τέχνη δεν φοβόταν να σκηνοθετεί μια άμεση επίθεση στις δυνάμεις που είναι. -DE

33. & Eternity and a Day ”; (1998)

Ο Έλληνας σπουδαστής Θόδωρος Αγγελόπουλος είχε καθυστερήσει πάρα πολύ για ένα Palme d 'rsquo Ή πριν κερδίσει το 1998, εμφανιζόμενος θριαμβευτικός από μια μάλλον πενιχρή σύνθεση του ανταγωνισμού που τονίστηκε από τους 'The Hole,' “; Οι Idiots, ”; και “; Velvet Goldmine ”; (δυστυχώς, ο Roland Emmerich & s “; Godzilla & screened Out of Competition). Αλλά αν 'η αιωνιότητα και μια μέρα ”; δεν είναι αρκετά ίσο των προηγούμενων αριστουργημάτων όπως “; Οι ταξιδιώτες παίκτες ”; και 'Το αναστατωμένο βήμα του πελαργού', ”; Αγγελόπουλος ’; ο ποιητικός διαλογισμός για το θάνατο και το νόημα εξακολουθεί να είναι το συγκινητικό έργο ενός ασυνήθιστα προσεγμένου καλλιτέχνη κινηματογράφου. μια κομψή, μελαγχολική βόλτα μέσα από την ομίχλη της μνήμης που διασχίζει κάποιες από τις πιο συγκλονιστικές εικόνες του σκηνοθέτη προτού προσγειωθεί σε ένα τελικό σουτ που χωρίζει τη διαφορά ανάμεσα στην βαθιά αλήθεια και τις ανοησίες σακχαρίνης.

Ο αείμνηστος μεγάλος Μπρούνο Γκανζ παίζει έναν πεθαμένο συγγραφέα της Θεσσαλονίκης, τον Αλέξανδρο, των οποίων οι τελευταίες μέρες ξαφνικά απομακρύνονται όταν αναμιγνύεται με ένα νεαρό Αλβανό αγόρι που διακινείται μέσω της χώρας. Αυτό το σκέλος του οικοπέδου συνδέεται με τους θρησκευόμενους θρήνους ενός γέρου που προσπαθεί να πάρει το μέτρο της δικής του ζωής και όλο το πράγμα παίρνει λίγο χρόνο για να φτάσει στο τέλος του (αποδεικνύεται ότι η αιωνιότητα και μια μέρα είναι μια όμορφη πολύς καιρός). Αν η υπνηλία και η πνευματική άνθηση ανακαλύψουν τα τελευταία έργα του Αντρέι Ταρκόφσκι, η ηθική επιταγή της ταινίας & s “; plot ”; riffs στο Akira Kurosawa ’; s “; Ikiru, ”; μια άλλη ιστορία για κάποιον που ψάχνει για σκοπό, καθώς ανακατεύονται από αυτό το θνητό πηνίο. Αλλά όπως και κάθε σπουδαία ταινία για το θέμα, ο Αγγελόπουλος ’; νικητής θα σας αφήσει να ψάξετε για το δικό σας. -DE

32. ”; (2011)

'Το δέντρο της ζωής'

Ένα οπτικό ποίημα είπε με το φως. Υπάρχει πάντα ένα στοιχείο πνευματικότητας στο έργο του Terrence Malick, μαζί με μια συνειδητοποίηση ότι η ανθρώπινη ύπαρξη είναι ένα spec του σούρουπο στο τεράστιο άνοιγμα του σύμπαντος. Έχει εξεταστεί κατάφωρα το θέμα σε αυτή την ταινία - συμπεριλαμβανομένων των διαφορών σε σκηνές που περιλαμβάνουν τη δημιουργία του σύμπαντος - αλλά αυτό εκφράζεται καλύτερα στις εφήμερες στιγμές Malick στάδια και βρίσκει, ενώ ο κινηματογράφος Emmanuel Lubezki κυνηγά το φως, να δημιουργήσει ένα πορτρέτο ενός οικογένεια σε έναν ατελείωτο αγώνα μεταξύ ζωής και θανάτου, φωτός και σκοταδιού, καταστροφής και χάριτος. «Το Δέντρο της Ζωής» παρουσιάζει ένα κοσμικό όραμα της ζωής, του σύμπαντος και των πάντων: Λίγοι κινηματογραφιστές θα έχουν το θράσος να κόψουν από τους δεινοσαύρους και το μεγάλο κτύπημα στη μικρή πόλη του Τέξας. Αλλά αυτό το ασυμβίβαστο όραμα είναι αυτό που κάνει το 'Δέντρο της Ζωής' μια τόσο ασταθής εμπειρία. Κάποιοι κριτικοί έκλεψαν την ταινία στις Κάννες, αλλά αυτό δεν εμπόδισε την κριτική επιτροπή να την απονείμει με την υψηλότερη τιμή. CO

31. “; Road ”; (1982)

Δεν είναι μια τέλεια ταινία, αλλά εάν υπάρχουν 'σε αυτή τη λίστα που αξίζει να τα δείτε καλύτερα' Yılmaz Güney & Yol. ”; Η ιστορία της κατασκευής της αξίζει μόνο του. Ο Güney ήταν πολιτικός αντιφρονούντας, ο οποίος κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1960 βοήθησε στην προβολή του τουρκοκυπριακού κινηματογράφου όπως και σε κανέναν σκηνοθέτη πριν από αυτόν - την ταινία του 1970 'Umut ”; (& Hope ”;) κέρδισε ακόμη και την αναγνώριση από την Ελιά Καζάν. Αλλά φυλακίστηκε καθ 'όλη τη διάρκεια της δεκαετίας του 1970, πρώτα αφού κατηγορήθηκε ότι φιλοξενεί ριζοσπάστες φοιτητών και στη συνέχεια για φερόμενες σκοτώνοντας και σκοτώνοντας έναν εισαγγελέα. Συνέχισε να γράφει σενάρια σε όλη τη φυλάκισή του, έχοντας τον συνεργάτη του Serif Goren να κάνει το πραγματικό έργο της κατεύθυνσης. Το 1981, δραπέτευσε από τη φυλακή και κατέφυγε στην εξορία στο Παρίσι - και πάλι, είχε Goren κάνει το έργο της στην πραγματικότητα να κατευθύνει 'Yol.' ”; Αυτή η ταινία είναι μια τρίπτυχη ιστορία τριών φυλακισμένων στην Τουρκία που αφέθηκαν για μια εβδομάδα μακράς διάρκειας. Μια ιστορία ακολουθεί την επανασύνδεση με τη σύζυγό του - φυλακίστηκε για ένα ληστρικό λάθος που είχε ως αποτέλεσμα τον θάνατο του αδελφού του και η οικογένειά του τον θέλει να πεθάνει τώρα για να επιτρέψει κάτι τέτοιο. Ένας άλλος επικεντρώνεται σε έναν Κουρδικό καταδικαστή ο οποίος ταξιδεύει πίσω στην οικογένειά του και βλέπει την τρομερή καταπίεση που αντιμετωπίζουν στα χέρια του τουρκικού στρατού - 'Yol' είχε απαγορευτεί στην Τουρκία μόνο για να συμπεριλάβει " Kurdistan ”; ως τίτλο τοποθεσίας στην οθόνη. Και ο τελευταίος και ισχυρός είναι ο τρίτος κρατούμενος, ο οποίος όταν απελευθερωθεί από τη φυλακή αντιμετωπίζει η οικογένειά του με το γεγονός ότι η σύζυγός του διέπραξε μοιχεία ενώ ήταν κλειδωμένη: ζητούν να ταξιδέψει με την πλάτη του στο προγονικό χωριό γι 'αυτόν να δεσμεύσετε την 'τιμωρία τιμής' της. Δεν θέλει, αλλά αισθάνεται ότι δεν έχει άλλη επιλογή. Αυτό που συμβαίνει είναι αξέχαστο. -CB

30. “; Χορεύτρια στο σκοτάδι ”; (2000)

'Χορεύτρια στο σκοτάδι'

Ο πρόεδρος του Lars von Trier, προκλητικοί μουσικοί αστέρες του 1964 Björk ως Selma, Τσέχος μετανάστης που εργάζεται σε αγροτικό εργοστάσιο στην πολιτεία της Ουάσινγκτον, και είναι μια μητέρα που χάνει την όρασή της από μια κληρονομική ασθένεια. Για να προστατεύσει τον 10χρονο γιο της από την ίδια μοίρα, η Selma εξοικονομεί επιμελώς τα κέρδη της για να πληρώσει για μια απαραίτητη επιχείρηση. Τη νύχτα, δραπετεύει σε έναν κόσμο όπου 'τίποτα φοβερό δεν συμβαίνει ποτέ,' που προετοιμάζει την παραγωγή του 'The Sound of Music' με την καλύτερη φίλη Kathy (Catherine Deneuve). Αλλά όταν ένας γείτονας (David Morse) προδίδει την εμπιστοσύνη της, η ζωή του Selma ξετυλίγεται και οι γραμμές μεταξύ της πραγματικότητας και της φαντασίας θολώνουν. Ο Peter Stormare και ο Joel Gray πρωταγωνιστούν επίσης σε αυτό το πρωτότυπο τραγικό παραμύθι. Είναι η τρίτη ταινία της 'Τριλογία της Χρυσής Καρδιάς' του von Trier. Το 'Breaking the Waves' (1996) και το 'The Idiots' (1998) είναι τα άλλα δύο. Το κομμάτι 'I've Seen It All' από το αποτέλεσμα - κυκλοφόρησε ως το album 'Selmasongs' και γράφτηκε κυρίως από τον Björk - ήταν υποψήφιο για το βραβείο Όσκαρ για το καλύτερο πρωτότυπο τραγούδι. -ΠΡΟΣ ΤΟ

29. “; Winter Sleep ”; (2014)

Ο Nuri Bilge Ceylan παρουσιάζει το βραβείο Palme d'Or για το 'Winter Sleep' στις Κάννες το 2014

Thibault Camus / AP / REX / Shutterstock

Κάποιοι νικητές του Palme εμφανίζονται να έρχονται από το πουθενά, ενώ άλλοι προηγούνται από τον συγκεκριμένο auteur που παίρνει μικρότερα βραβεία στην πορεία. Το 'Winter Sleep' του Nuri Bilge Ceylan εμπίπτει στην τελευταία κατηγορία - η 'Distant' είχε ήδη κερδίσει τον Καλύτερο Ηθοποιό, τον Καλύτερο Διευθυντή 'Τρεις Πιθήκες' και 'Κάποτε στην Ανατολή' πήρε το Grand Prix - δεν ήταν άξιος. Ένας αργός, χαρούμενος διαλογισμός για τις ταξικές ανισότητες στην Τουρκία και πέρα ​​από αυτό, έχει την αίσθηση ενός μύθου χωρίς να είναι εμφανής στην ορατότητα του. Ο κινηματογράφος της Ceylan μπορεί να είναι μια γεύση που έχει αποκτηθεί, αλλά είναι και μια βαθιά ικανοποιητική. -MN

28. ”; (1987)

Εάν δεν έχετε δει ποτέ την προσαρμογή του Μωρίς Πιαλάτ για το μυθιστόρημα του Γιώργου Μπερνάνου, η πρώτη σας ερώτηση είναι κατά πάσα πιθανότητα αν ανταποκρίνεται στον τίτλο αυτό. Η απάντηση είναι μια εμφατική ναι: Ο Gérard Depardieu, σε μία από τις καλύτερες παραστάσεις του, παίζει έναν αφοσιωμένο ιερέα, του οποίου η νοσταλγία με έναν νεαρό φόνο μπορεί στην πραγματικότητα να είναι μια μορφή σατανικού πειρασμού. Το Palme d'Or, το πρώτο για μια γαλλική ταινία σε 20 χρόνια, θεωρήθηκε ως ένα τέτοιο γεγονός που ο τότε Πρόεδρος François Mitterrand έγραψε στον Pialat μια συγχαρητήρια επιστολή στην οποία είπε ότι η ταινία 'δείχνει τη ζωτικότητα που μπορεί και πρέπει να χαρακτηρίσει Γαλλικός κινηματογράφος. 'Αν γνωρίζετε μόνο τον Depardieu για τις πιο πρόσφατες σκηνές του, επιτρέψτε' Under the Sun of Satan 'να αναδιατυπώσετε πλήρως την αντίληψή σας γι 'αυτόν - και ίσως την ίδια την έννοια της θεϊκής χάριτος. -MN

27. & 'Άνθρωπος του Σιδήρου' (1981)

Το πιο κοντινό σε μια συνέχεια μεταξύ των νικητών της Palme, ο 'Man of Iron' ακολούθησε τον σκηνοθέτη Andrzej Wajda 'Man of Marble' στο σκηνικό του ναυπηγείου του Γκντάνσκ και τον ηγετικό του χαρακτήρα, γιο του ήρωα της προηγούμενης ταινίας. Ο Wajda γιορτάζεται δίκαια για την τριλογία του για τις ταινίες του Β Παγκοσμίου Πολέμου που έγιναν στη δεκαετία του 1950 («A Generation», «Kanal» και «Ashes and Diamonds»). Η άνοδος του κινήματος Αλληλεγγύης τον έφερε πίσω στη διεθνή αναγνώριση δύο ταινίες τέσσερα χρόνια. Ο «Σιδηρός» ήταν η πιο αντι-κυβερνητική από αυτούς, με μια ιδεολογική απόψυξη που μεγάλωσε κατά τη διάρκεια της κινηματογράφησης και επέτρεψε την απελευθέρωσή του, αν και απαγορεύτηκε λίγο αργότερα. Η αμεσότητα του είναι το μεγαλύτερο του περιουσιακό στοιχείο, αλλά η προθυμία του να απεικονίσει τα τρέχοντα γεγονότα με ταχύτητα το συμβιβάζει σε σχέση με τη διαχρονικότητα των προηγούμενων ιστοριών που βασίζονται στο δράμα της Wajda. Η νίκη των Καννών εν μέρει θεωρήθηκε ως ώθηση για την Αλληλεγγύη. -TB

26. “; Underground ”; (1995)

Ο σκηνοθέτης Emir Kusturica και η οπτική εφευρετικότητα και η φρενική βηματοδότηση - που συχνά αισθάνεται σαν τον Φελίνι στην αδελφή, συνοδευόμενος από ένα τραγικό βαλκανικό ορειχάλκινο συγκρότημα - αυτή τη φορά επεκτείνεται στην ταραγμένη ιστορία της αγαπημένης του Γιουγκοσλαβίας, η οποία βρισκόταν σε εκτεταμένη περίοδο αποσύνθεσης. “; Underground ”; είναι μια φιλόδοξη φάρσα τριών ωρών (υπήρξε μια έκδοση πέντε ωρών για την τηλεόραση) για το τι συμβαίνει στην ψυχή μιας χώρας και των ανθρώπων της που ζουν σε μια συνεχή κατάσταση πολέμου εδώ και 50 χρόνια. Οι ανατροπές της πλοκής είναι εξίσου παράλογες καθώς ανησυχούν: ο Μάρκο, ένας ανερχόμενος ηγέτης στο κομμουνιστικό κόμμα, κρατά τους φίλους του να κρύβονται στο κελάρι, πεπεισμένοι ότι η Γκεστάπο συνεχίζει να μπαίνει πόρτα σε πόρτα 15 χρόνια μετά τον πόλεμο. Αλλά τίποτα δεν μπορεί να σταματήσει τους ζωηρούς χαρακτήρες του Kusturica από το να πίνει, να αγωνίζεται και να γαμάει. CO

25. ”; (1997)

Ο νικητής του Palme d'Or στις Κάννες 1997, η 'Γεύση του κερασιού' του Abbas Kiarostami είναι ένας από τους πιο διακεκριμένους νικητές του φεστιβάλ. Ο Roger Ebert το διάσημο μίσησε με την ταινία, λέγοντας ότι είναι 'βαρετό, αλλά κάτι σχετικά με την υπομονή του Kiarostami και την εγκάρσια τομή ανάμεσα σε κοντινά πλάνα και τεράστιες λήψεις τοπίου δημιουργεί μια αδιαμφισβήτητη μαγεία πάνω στον θεατή. Η ταινία αστέρια Homayoun Ershadi ως άνθρωπος που οδηγεί μέσω της Τεχεράνης ψάχνει κάποιος να συμφωνήσει να τον θάψει κάτω από ένα κερασιά μετά από αυτοκτονία. Η προσέγγιση θέτει τον κύριο χαρακτήρα του Kiarostami κάτω από ένα μικροσκοπικό φακό καθώς ο θεατής αναλύει τις κινήσεις του για απαντήσεις. Όσο περισσότερο ο άνθρωπος έρχεται στο επίκεντρο, τόσο πιο 'Γεύση του Cherry' προσκαλεί τους κινηματογράφους στο λαγουδάκι Kiarostami του αυτο-προβληματισμού. πολυοξυαιθυλενο λιπαρών

24. ”; (1983)

Ο σκηνοθέτης Shōhei Imamura ήταν πάντοτε υποεκτιμημένος, με την αξιοσημείωτη εξαίρεση των Καννών, όπου δύο από τα πετράδια του στα τέλη της σταδιοδρομίας του κέρδισαν την Palme. Υπήρξε συχνά μια κινηματογραφική εξωστρέφεια και παιχνιδιάρικα στις προηγούμενες ταινίες του Imamura, αλλά σε αυτή την ιστορία της Ιαπωνικής πρακτικής του 19ου αιώνα που είναι γνωστή ως ubasute - ένας ηλικιωμένος γονιός μεταφέρεται στο βουνό και αφήνει πεθαίνουν στην ηλικία των 70 ετών - δείχνει τεράστια αυτοσυγκράτηση. Η φωτογραφική μηχανή και η αφήγηση αφήνουν να αποτυπωθούν οι λεπτομέρειες της παράστασης που στρέφεται κατά της ομορφιάς του αγροτικού τοπίου. Ο Sumiko Sakamoto δίνει μια αξιοσημείωτα χαμηλή απόδοση ως γυναίκα, η οποία εξαιρεί τη μοίρα της, αλλά χρειάζεται να βρει τον μεγαλύτερο γιο της σύζυγο πριν τη μεταφέρει στο βουνό. -CB

23. “; Sex, Lies και Videotape ”; (1989)

Ο σκηνοθέτης του Σ.Ο. Στίβεν Σόδερμπεργκ, αριστερά, κατέχει το Χρυσό φοίνικα που του απονεμήθηκε για την ταινία του 'Sex, Lies and Videotapes' στο 42ο Διεθνές Φεστιβάλ Κινηματογράφου Cannes της Γαλλίας. Δίπλα του είναι η ηθοποιός Jane Fonda
Φεστιβάλ Κινηματογράφου των Καννών, Κάννες, Γαλλία

Gilbert Tourte / AP / REX / Shutterstock

Ένα αξιοσημείωτο ντεμπούτο χαρακτηριστικό από τον Steven Soderbergh, ο οποίος χειρίζεται τα θέματα της σεξουαλικότητας και της εμμονής του κινηματογράφου με το χτυπητό χιούμορ και αισθησιασμό. Το ερωτικό dramedy αστέρες James Spader ως Graham, ένας μακρόχρονος φίλος κολλεγίων που ξαπλώνει πίσω στην πόλη και στις ζωές του John (Peter Gallagher), ενός αυτοσχέδιου playboy, της άγιας συζύγου του Ann (Andie MacDowell) Σανθία (Laura San Giacomo). Ο καθένας εξελίσσεται βαθμιαία στον ιστό του Sex, ψέματα και βιντεοκασέτες του Graham και παραμένει μετασχηματισμένος. Ο Spader σημείωσε το βραβείο Καλύτερου Ηθοποιού στο Φεστιβάλ Κινηματογράφου των Καννών για την εξαιρετικά λεπτή και προκλητική του εμφάνιση σε μια καλά εκτελεσμένη ταινία που διαθέτει καθολικές παραστάσεις σε όλο το σκάφος. Ο Soderbergh ήταν υποψήφιος για το Οσκαρ για το σενάριο του. -ΠΡΟΣ ΤΟ

22. Οι γερανοί πετάνε ”; (1958)

Οι πρώτοι τρεις τιμητές της Παλαιάς Πόλης ή ήταν με οποιοδήποτε μέτρο μη αμφισβητούμενο: «Marty, ”; ο Jacques Cousteau doc ​​“; ο σιωπηλός κόσμος, ”; και 'φιλική πειστική.' ”; Αλλά ο τέταρτος Palme d 'rsquo Ή ο νικητής είναι ηλεκτρικός και αξίζει να είναι τόσο πολύ πιο γνωστός μεταξύ των cinephiles σήμερα: 'Οι γερανοί πετάνε ”; είναι μια ζοφερά υποκειμενική μελέτη χαρακτήρων για τη ζωή των σοβιετικών πολιτών που διαρκούν την αστική καταστροφή και στέρηση κατά τη διάρκεια του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου. Σε ένα σημείο, ο βιασμός γυναικείου χαρακτήρα από έναν σκλάβο αντιπαρατίθεται σε μια γερμανική εναέρια επίθεση, μια εξπρεσιονιστική επιλογή στο πρόσωπό σας για τη σύζευξη της προσωπικής τρομοκρατίας με την τρομοκρατία των πτώσεων βόμβων που υπογραμμίζουν τις μόνιμες ψυχολογικές ουλές που προέρχονται από και τα δυο. Αυτή είναι μια βαθιά εντυπωσιακή ταινία στην οποία τα συναισθήματα δεν χάνουν ποτέ σε κάποιες από τις πιο εμφανείς ασπρόμαυρες εικόνες που έχουν προβληθεί ποτέ, με την ευγένεια του κύριου Σοβιετικού σκηνοθέτη Μιχαήλ Καλατόζοφ και του σκηνοθέτη του Σεργκέι Ουρούσεφσκι. Θα επαναλάμβαναν τις μακρές κινήσεις παρακολούθησης, το περίπλοκο φυσιοκρατικό μπλοκάρισμα, τις ολλανδικές γωνίες και τα εξαιρετικά φώτα φωτισμού υψηλής αντίθεσης των 'Οι γερανοί πετούν'. σε δύο εξίσου εκπληκτικές, αν και λιγότερο συναισθηματικά εκπληρωμένες επακόλουθες ενέργειες, την ιστορία επιβίωσης της άγριας φύσης “; Letter Never Sent ”; και επαναστατικό potboiler “; Είμαι Κούβα. ”; -CB

21. “; Black Orpheus ”; (1959)

Marcel Camus ’; Το 1959 ζωντανό κλασικό (επίσης νικητής του Βραβείου Όσκαρ για την καλύτερη ξενόγλωσση ταινία του 1960) βασίζεται χαλαρά στον Ορφέα και την Ευρυδίκη της Ελληνικής μυθολογίας, με το Ρίο ντε Τζανέιρο της Βραζιλίας κατά τη διάρκεια της Καρναβαλικής περιόδου. Ο Orpheu (Breno Mello) ερωτεύεται την Ευρυδίκη (Marpessa Dawn) και το ζευγάρι πρέπει να ξεκινήσει από ένα δράκοντα ντυμένο με το θάνατο (Ademar Da Silva) και την εκδικητική αρραβωνιαστικιά Mira (Lourdes de Oliveira) του Orfeu σε αυτή τη μαγική ρεαλιστική τραγωδία. Η ταινία διαθέτει ένα μουσικό σκορ σάμπα από τους Luiz Bonfa και Antonio Carlos Jobim. Το αξιοσημείωτο soundtrack του πιστώνεται με την απλή εισαγωγή του Bossa Nova στον υπόλοιπο κόσμο. Είναι ένα φρέσκο, πολύχρωμο, ατμοσφαιρικό και μολυσματικό πάρει ένα εικονικό μύθο. -ΠΡΟΣ ΤΟ

20. “; Το Go-Between ”; (1971)

Το 'Go-Between' είναι μια από τις μεγάλες ταινίες μνήμης του σκηνοθέτη Joseph Losey και του σεναριογράφου Harold Pinter, προσαρμοσμένου από το λαϊκό μυθιστόρημα του L.P. Hartley, που περιέχει την αξέχαστη αρχική γραμμή: 'Το παρελθόν είναι μια ξένη χώρα. κάνουν τα πράγματα διαφορετικά εκεί ». Το 1900, σε έναν εξωφρενικό Αύγουστο σε ένα κτήμα του Norfolk, η ταινία ταξιδεύει μπροστά και πίσω με την πάροδο των 50 χρόνων, λέγοντας μια λαμπρή ιστορία για τη διαφθορά της αθωότητας, της αγάπης, και την ομορφιά. Ο γλυκός και φανταστικός Λέων (Dominic Guard) ξοδεύει τις καλοκαιρινές διακοπές με τον φίλο του σχολείου οικοτροφείου Marcus (Richard Gibson), παίζοντας παιχνίδια και νιώθοντας ξόρκια, προσπαθώντας να ταιριάζει πάνω από την τάξη του. Στη συνέχεια, ο Λέων πέφτει κάτω από το ξόρκι της ωραιότερης αδελφής του Marcus (Julie Christie), που τον δελεάζει να είναι ιδιωτικός αγγελιοφόρος της, περνώντας επιστολές μπροστά και πίσω με τον μυστικό εραστή της, τον γεωργό ενοικιαστή Ted (Alan Bates). Αλλά αυτό που αρχίζει ως ένα ρομαντικό παιχνίδι γίνεται μια κατάρα για τον Λέοντα (με την ενήλικη έκδοση που παίζεται από τον Michael Redgrave). Τραβημένος από τον Gerry Fisher με την αίσθηση της πολυτέλειας και της αποσύνθεσης, και στίγματα από το σκάνδαλο του Michel Legrand (με dueling pianos), το 'Go-Between' υπομένει ως πικρή εκτίμηση του 20ού αιώνα. -BD

19. “; Barton Fink ”; (1991)

'Barton Fink'

Οι αδελφοί του Coen Brothers, οι 1940, ασχολούνται με τον στίβο του Χόλιγουντ John Turturro με τη μεγαλύτερη παράσταση ενός θεατρικού συγγραφέα του Μπρόντγουεϊ που απρόθυμα μετακομίζει στο Χόλιγουντ για να εργαστεί ως σεναριογράφος. Προβλεπόμενη να γράψει ένα σενάριο χαμηλού προϋπολογισμού για την πάλη, ο Fink αναπτύσσει το μπλοκ του αυστηρού συγγραφέα ... και αρχίζουν να συμβαίνουν τα περίεργα πράγματα. Το ρολόι τσιμπηλάει και η πίεση στηρίζεται καθώς η ζωή του Barton περιστρέφεται από τον έλεγχο. Το Turturro οδηγεί ένα συμπαγές cast που περιλαμβάνει επίσης τον John Goodman, τον Judy Davis, τον Michael Lerner, τον John Mahoney, τον Tony Shalhoub, τον Jon Polito και τον Steve Buscemi. Η υποκριτική βαθμολογία του Carter Burwell και η υπέροχη κινηματογραφική ταινία του Roger Deakins συμπληρώνουν τη σουρεαλιστική αίσθηση της χρυσής εποχής του Χόλυγουντ που κλείνει από μόνη της. Η ταινία έλαβε τρεις υποψηφιότητες για Όσκαρ, συμπεριλαμβανομένου και του Best Supporting Actor για τον Lerner. Ο Turturro και ο Joel Coen θα λάβουν τις Καλύτερες Δράσεις και Καλύτερους Διευθυντές στις Κάννες, εκτός από τη νίκη του Palme. -ΠΡΟΣ ΤΟ

18. “; ο πιανίστας ”; (2002)

'Ο πιανίστας'

Μια από τις μεγαλύτερες - ίσως τις μεγαλύτερες - ταινίες του Ολοκαυτώματος που έγιναν ποτέ. Εξάλλου, πόσοι κινηματογραφιστές του ταλέντου του Ρόμαλ Πόλανσκι είναι οι ίδιοι οι επιζώντες του Ολοκαυτώματος; Παρόλο που παραμένει μια πολωμένη φιγούρα για πολλούς στο Χόλιγουντ, το συναίσθημα και η ανθρωπιά στο 'The Pianist' ήταν αρκετό για να αναστείλει την κρίση του Polanski, αν όχι ηθικά τότε τουλάχιστον καλλιτεχνικά. Πόσο κατάλληλη είναι η ταινία να είναι ένας διαλογισμός σχετικά με τη φύση και το νόμισμα της τέχνης και των καλλιτεχνών σε μια ηθικά καταστρεπτική κοινωνία. Αλλά δεν ήταν μόνο οι προσπάθειες του Polanski που έκαναν την ταινία τόσο αναισθητοποιητική. Ο 'Πιανίστας' εισήγαγε το μνημειώδες ταλέντο του μελλοντικού νικητή του Oscar Adrien Brody - ο διακεκριμένος φιγούρα του ερμήνευσε την πορεία του ως Πολωνο-εβραϊκός μουσικός Władysław Szpilman. Όταν το όνομα του Polanski αναγγέλθηκε ως καλύτερος σκηνοθέτης στα βραβεία της Ακαδημίας του 2002, έγινε δεκτός ενόρκως. Αυτή είναι η δύναμη του 'Πιανίστα'. -JD

Αναθεώρηση χωρίς κλουβί 47 μέτρα κάτω

17. “; Love ”; (2012)

Ο Michael Haneke δίνει σημειώσεις στην Emmanuelle Riva και τον Jean-Louis Trintignant
στο σετ 'Amour' (2012)

Wega Film / Kobal / REX / Shutterstock

Ο αυστριακός αυριανός Michael Haneke γνωρίζει πάντα το δρόμο του γύρω από την τραγωδία, αλλά ο νικητής του Palme του 2012 άνοιξε ακόμα περισσότερους χώρους στο ιδιαίτερο εμπορικό σήμα του με την όμορφη, σκληρή χτυπημένη δυστυχία. Δικαίως ονομάζεται «ρομαντική τραγωδία», η ταινία παίρνει το μισό από το κεντρικό ζευγάρι της ταινίας που είναι ήδη νεκρό και στη συνέχεια δουλεύει προς τα πίσω για να μας κάνει να καταλάβουμε γιατί συνέβη (και γιατί ο τερματισμός αυτός δεν μπορεί να είναι μια συνολική τραγωδία). Ταινίες από τον κινηματογράφο Bonafide Jean-Louis Trintignant και Emmanuelle Riva (με την κανονική Hanabee Isabelle Huppert ως κόρη τους), Amour ”; είναι μια ιστορία αγάπης με τους δικούς της ξεχωριστούς ρυθμούς και ξεκινά όταν οι τροχοί έχουν βγει, η άνθιση είναι από το τριαντάφυλλο και όλη η λάμψη έχει φύγει. Τι έφυγε τότε; Ο Haneke και τα αστέρια του δουλεύουν για ένα αναπόφευκτο, σφύζον τέλος (και, επίσης, μια αρχή) και προσπαθούν να του δώσουν όλες τις αποχρώσεις που μπορεί να κρατήσει μια ένωση δεκαετιών. Το τσίμπημα είναι βαθύ, αλλά είναι και αυτό που κέρδισε και ειλικρινά, μια τραγωδία που έγινε τρομερά προσωπική. -KE

16. “; Blowup ”; (1967)

Το μυστήριο θρίλερ του Michelangelo Antonioni 'Blowup' κέρδισε κορυφαίες διακρίσεις στο 20ο Φεστιβάλ Κινηματογράφου των Καννών το 1967 και συνέχισε να εμπνέει κλασικά όπως το 'The Conversation' του Coppola και το 'Blow Out' του De Palma. Ο David Hemmings αστέρας ως φωτογράφος μόδας στο Λονδίνο μπορεί να μην έχει καταλάβει μια δολοφονία στην ταινία, η απάντηση στην οποία οδηγεί σε μια σκοτεινή εμμονή. Η κατεύθυνση του Antonioni εκσφενδονίζει κάτω από την επιφάνεια της αντι-καλλιέργειας και της οπτικής γεύσης της ταινίας για να δημιουργήσει μια δήλωση σχετικά με τη σχέση του καλλιτέχνη με την τέχνη και τις απολήξεις και ροές ικανοποίησης και απομόνωσης που έρχονται μαζί του. Το τελικό αποτέλεσμα είναι ένας από τους σπουδαίους διαλογισμούς του κινηματογράφου για την τέχνη, αλλά μεταμφιεσμένος ως θρίλερ μυστηρίου δολοφονίας. πολυοξυαιθυλενο λιπαρών

15. & 'Ο θείος Boonmee ποιος μπορεί να θυμηθεί τις προηγούμενες ζωές του ”; (2010)

'Ο θείος Boonmee που μπορεί να θυμηθεί τις προηγούμενες ζωές του'

Έκθεμα Α όταν πρόκειται για 'Λόγοι για να είσαι ενθουσιασμένος και ακόμα να πιστέψεις στον κινηματογράφο τον 21ο αιώνα' είναι Apichatpong Weerasethakul. Οι ταινίες του δεν είναι μόνο περιβάλλοντα περιβάλλουσας, αλλά είναι ριζοσπαστικά συναρπαστικό φαγητό πρωτοποριακής άνεσης: θα μπορούσατε να κάνετε χειρότερα από κάνοντας μια από τις τηλεοπτικές οθόνες στο σπίτι σας αφιερωμένες στην ταινία Weerasethakul σε βρόχο. Πραγματικά κάποια από τις ταινίες του είναι Palme d ’ Ή αξίζει και είναι δύσκολο να καταλάβεις γιατί 'ο θείος Boonmee ”; είναι κάτι περισσότερο από " Tropical Malady ”; ή “; Syndromes and a Century ”; ή το νεκροταφείο του Splendor “; θείος Boonmee ”; σίγουρα φέρει πολλά από τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα αυτών των άλλων - ο ήχος σχεδίασης τόσο επιβλητικός φαίνεται να ξυπνάει τις αισθήσεις σας, την απεικόνιση της ιατρικής θεραπείας, την ανάμειξη του υπερ-ρεαλισμού και του σουρεαλισμού, μια αποφασιστική προσπάθεια να τονώσει την δραστηριότητα του δέλτα και του θεάματος στον εγκέφαλό σας. Αυτό το τελευταίο κομμάτι δεν είναι αστείο: πιστεύοντας ότι η ταινία είναι παρόμοια με την κατάσταση του ύπνου και των ονείρων, ο Weerasethakul πειραματίστηκε πραγματικά με οθόνες που παρουσιάζουν θεατρικές εμπειρίες στις οποίες οι άνθρωποι βάζουν σε βρεφικές κούνιες ενώ παρακολουθούν μία από τις ταινίες του και ενθαρρύνονται να πάνε ύπνος. “; θείος Boonmee ”; μπορεί να είναι αυτή που αισθάνεται περισσότερο σαν μια κουβέρτα ασφαλείας, στην απεικόνισή της για έναν γηράσκοντα με νεφρική ανεπάρκεια που επανεξετάζεται από τα φαντάσματα των χαμένων αγαπημένων του. Ακόμη και μια γραμμή απόρριψης όταν μιλάει για την αιμοκάθαρση του και λέει, 'Αυτό είναι το κάρμα, επειδή σκότωσα πάρα πολλούς κομμουνιστές και hellip. και τόσα πολλά σφάλματα γύρω από το αγρόκτημα ”; δεν μπορεί να μειώσει την πολύ αληθινή σας αγάπη γι 'αυτόν. Η ζωή είναι γεμάτη φρίκη. Εδώ είναι ταινίες που κάνουν τη ζωή καλύτερη. -CB

14. “; Παρίσι, Τέξας ”; (1984)

“Paris, Texas”

Ο Χάρι Ντιν Στάντον περιπλανημένος μέσα από την έρημο του Δυτικού Τέξας. Ένα ροζ πουλόβερ, απλά αρκετά ασαφές για να πιάσει ό, τι περνάει. Ry Cooder, χτύπησε την κιθάρα του, όλη την ζωή που αντηχούσε ανάμεσα σε κάθε νότα. Μια ζωή βίντεο στο σπίτι που γυρίστηκε σε μια φωτογραφική μηχανή Super 8. Nastassja Kinski κοιτάζοντας τον προβληματισμό της σε έναν καθρέφτη μονής κατεύθυνσης και ακούγοντας την οικεία φωνή στην άλλη πλευρά, καθώς της λέει μια ιστορία σχετικά με αυτά τα δύο άτομα ”; ξέρει κάποτε.

Wim Wenders ’; “; Παρίσι, Τέξας, ”; που ήταν το κεφάλι και οι ώμοι πάνω από τις άλλες ταινίες του Καννών το 1984, είναι μία από αυτές τις ταινίες που εισέρχονται στο σώμα σου από διάφορες κατευθύνσεις ταυτόχρονα και στη συνέχεια αρχίζει να συλλέγει στο μυαλό σου σαν την άμμο σε μια κλεψύδρα. Μαλακό και αδιαπέραστο ταυτόχρονα, αυτό το ημι-μυστικιστικό δράμα (ή είναι ένα εντελώς σύγχρονο Δυτικό;) ξεκινάει με έναν άνθρωπο να βγαίνει από το παρελθόν, να συνενώνεται με τον νεαρό γιο που άφησε πίσω του και να εντοπίζει στη συνέχεια την όμορφη γυναίκα με που έζησε κάποτε 'σε έναν τόπο χωρίς γλώσσα ή δρόμους,' και έχτισε έναν παράδεισο που ποτέ δεν ήταν τόσο ισχυρός όσο οι μνήμες που θάφτηκαν στα ερείπια του.

Μια ιστορία ανησυχίας, περιπλάνησης, ιδιωτικών δαίμων και κοινών ονείρων, καθώς και της υπόσχεσης και προδοσίας της αμερικανικής έκτασης, αυτός ο Πάλμε-νικητής είναι μια μοναδική ιδέα για όλα αυτά που έχουμε χάσει, αλλά δεν μπορούμε να τα αφήσουμε πίσω. Είναι επίσης ένα έγγραφο από διάφορους σημαντικούς καλλιτέχνες που συναντιούνται μεταξύ τους, από το Wenders ’; υπέρμετρη κατεύθυνση, στη σκονισμένη κάμερα του Robby Müller, στο λυρικό και ποιητικό σενάριο του L.M. Kit Carson και του Sam Shepard, στο ρόλο που ο Στάντον γεννήθηκε για να παίξει. Κανένας χάρτης των μεγαλύτερων ταινιών του 20ού αιώνα δεν είναι πλήρης με μια καρφίτσα στο Παρίσι, Τέξας. ”; -DE

13. “; Άγρια στην καρδιά ”; (1990)

Η ομάδα 'Wild at Heart' στις Κάννες το 1990

Alan Davidson / Silverhub / REX / Shutterstock

Τόσο λατρευτός όσο και πλούσιος στις Κάννες κατά τη διάρκεια της πρεμιέρας του το 1990, το εξαιρετικά διεστραμμένο και συναρπαστικό 'Wild At Heart' σηματοδοτεί τη μοναδική νίκη της Palme d'Or της καριέρας του David Lynch μέχρι στιγμής. Το σενάριο ζευγάρια ένα oversexed Nicolas Cage και μια σέξι Laura Dern ως δύο εραστές που ξεφεύγουν από το παρελθόν σε ένα στριμμένο οδικό ταξίδι μέσα από μια καρδιά της Αμερικής στράφηκε hellscape. Ο Lynch αποδεικνύει έναν κύριο των τόνων μετατοπίσεων εδώ, αβίαστα εξισορροπώντας την υπερβολική αλαζονεία με τις ψυχοσυναισθηματικές συγκινήσεις που καταφέρνουν να ανεβάσουν το υπογενές των εραστών και να μιλήσουν σε μια Αμερική που βρίσκεται σε ελεύθερη πτώση. Το 'Wild At Heart' είναι ατρόμητος κινηματογράφος με κάθε έννοια της λέξης. πολυοξυαιθυλενο λιπαρών

12. “; 4 μήνες, 3 εβδομάδες και 2 μέρες ”; (2007)

'4 μήνες, 3 εβδομάδες και 2 ημέρες'

Λέει πολλά ότι το '4 Μήνες, 3 Εβδομάδες και 2 Ημέρες' κέρδισε το Palme d'Or τον ίδιο χρόνο που «Δεν υπάρχει χώρα για τους γέρους», «Ζωδιακά», «Μυστική ηλιοφάνεια», «Σιωπηλό φως», Καταδυτικό καμπανάκι και πεταλούδα ', έκανε πρεμιέρα στις Κάννες και κανείς δεν παραπονέθηκε. Η καταστροφική ματιά του Cristian Mungiu στην έκτρωση στην πατρίδα του ανακοίνωσε το ρουμανικό νέο κύμα στον κόσμο με τρόπο που δεν έδειξε ούτε ο 'Θάνατος του κ. Lăzărescu' ή '12:08 ανατολικά του Βουκουρεστίου', δείχνοντας τους πολλούς τρόπους με τους οποίους η καταπιεστική βασιλεία του Nicolae Ceauşescu συνέχισε να αντηχεί σχεδόν δύο δεκαετίες μετά τον θάνατο του δικτάτορα. Ο θρίαμβος του στις Κάννες ήταν ιδιαίτερα σημαντικός, δεδομένου του θανάτου του Oscar, ο οποίος εξακολουθεί να χτυπά περισσότερο από μια δεκαετία αργότερα. -MN

11. “; Η συνομιλία ”; (1974)

Ο Gene Hackman στο 'The Conversation' (1974)

Moviestore / REX / Shutterstock

Ο Francis Ford Coppola δεν ήθελε ποτέ να κάνει τη ζωή εύκολη για τον εαυτό του. Μετά τη μεγαλύτερη επιτυχία της καριέρας του στο 'The Godfather,' η οποία έσπασε τα αρχεία του box office, κέρδισε το βραβείο Όσκαρ για την Καλύτερη Φωτογραφία και, αμέσως, έγινε μια από τις πιο αγαπημένες ταινίες όλων των εποχών, θα μπορούσε απλά να στηριχτεί στις δάφνες του και να προετοιμάσει το 'The Godfather Part II'. Αντ 'αυτού κέρδισε μια άλλη δάφνη - μια κυριολεκτική δάφνη στο Palme d ’ · ή - για ένα από τα πιο απαιτητικά κινηματογραφικά επιτεύγματα της σταδιοδρομίας του, και ένα συναρπαστικό μέσο για να αμφισβητήσει τον αμερικανικό κινηματογράφο να δοκιμάσει νέα πράγματα. “; Η συνομιλία ”; είναι μια αυτοσυνειλημμένη arty βαθιά κατάδυση σε μια ιδεοψυχαία αναζήτηση για νόημα όπως ενσωματώνεται από έναν ιδιωτικό ντετέκτιβ που ονομάζεται Harry Caul (Gene Hackman), ο οποίος πιστεύει ότι ένας πλούσιος επιχειρηματίας (Harrison Ford) σχεδιάζει τη δολοφονία της συζύγου του (Cindy Williams) και του εραστή της λόγω ενός αρπαγή της συνομιλίας τους κατέγραψε: 'Θα μας σκοτώσει εάν είχε την ευκαιρία.' Αλλά τι σημαίνει αυτή η μόνη φράση; Και πώς θα αλλάξει αυτή η σημασία ανάλογα με τον τόνο και το πλαίσιο; Think “; Blow-Up, ”; αλλά και ως ασταμάτητο πορτρέτο της μοναξιάς: αυτός είναι ένας από τους πιο απομακρυσμένους, άγνωστους χαρακτήρες του Hackman. Ο Popeye Doyle φαίνεται ζεστός και ασαφής σε σύγκριση με τον Harry Caul. -CB

10. “; Shoplifters ”; (2018)

'Shoplifters'

Δεν είναι μόνο το γεγονός ότι η συνεδρίαση μέσω της κατά κανόνα ευχάριστο, κατά καιρούς καρδιάς, δύο ώρες λειτουργίας του 'Shoplifters' αισθάνεται σαν να είναι μέρος μιας οικογένειας που είναι εξ ολοκλήρου ξένη προς τους περισσότερους ανθρώπους, αλλά χάρη στη ζεστασιά των χαρακτήρων και την οικειότητα Η κινηματογραφική παραγωγή Hirokazu Kore-eda, αισθάνεστε εντελώς στο σπίτι σας. Εμπιστευόμενος από το πρώτο καρέ στο τελευταίο, ο νικητής του Κόμπε-ΕΔΑ Πάλμε επιδέσμους μαζί ένα κινούμενο οικογενειακό δράμα, στη συνέχεια σκιάζει σπασμένα τα νήματά του μέχρι το χαλί δεν έχει απλώς τραβηχτεί από κάτω - είναι εντελώς αποσυντονισμένο. Κάθε ενήλικο χαρακτήρας περιέχει κόμβους αντιφάσεων, η γοητεία τους καθιστώντας τους απεριόριστα επιτακτικούς ακόμα και μετά την αποκάλυψη των άσπλαχνων αληθειών τους. Οι καλλιτέχνες, τόσο παιδιά όσο και ενήλικες, αγκαλιάζουν ο ένας τον άλλο περισσότερο σαν ένα θεατρικό σύνολο από ένα cast cast και η φυσική τους ευκολία και χημεία βασίζονται στην περίεργη ιστορία. Όπως και οι χαρακτήρες της, ο 'Shoplifters' είναι μια μεγάλη ταινία - σε πεδίο, φιλοδοξία και καρδιά - που υπερέχει στην απόδοση απερίγραπτων μικρών στιγμών, όπως μόνο η μεγάλη τέχνη. -JD

9. 'Κύριε Πατέρα' (1977)

Αυτό θα μπορούσε να ήταν μια άλλη ιστορία λυπημένος για μένα μιας τρομακτικής παιδικής ηλικίας ενός νεαρού ατόμου και της θριαμβευτικής υπερβάσεώς του στην πρώιμη ενηλικίωσή τους: 'Padre Padrone &'; βασίζεται στην ιστορία της γλύπτριας Gavino Ledda, του μεγάλου πατέρα της στη Σαρδηνία και της τρομακτικής θεραπείας που διαρκεί στο χέρι του τυραννικού πατέρα του - ο Ledda ήταν ακόμα αναλφάβητος μέχρι την ηλικία των 20 ετών πριν ξεκινήσει μια παγκοσμίου φήμης ακαδημαϊκή καριέρα. Αλλά στα χέρια του Paolo και του Vittorio Taviani, αυτή η ιστορία γίνεται κάτι πολύ περισσότερο: μακριά απλά από το χαμόγελο, 'Padre Padrone &'; γίνεται μια από τις πιο σουρεαλιστικές και μοναδικές ερμηνείες ιστοριών ηλικίας που έχουν κινηματογραφηθεί ποτέ - σε ένα σημείο μία από τις κατσίκες που ο Γκάβινο συνεχίζει να προσπαθεί να βγάλει γάλα απευθύνεται στην Gavino άμεσα στην φωνητική αφήγηση. Ναι, η κατσίκα είναι ένας αφηγητής - ένας από τους πολλούς σε αυτήν την πρισματική ιστορία που παίρνει meta από την αρχή και τελικά γίνεται τόσο για τη φύση της αφήγησης όπως οτιδήποτε. Οι πρώτες σκηνές του νεαρού Gavino, μόλις τραβήχτηκαν από το σχολείο και σε μια παρατεταμένη παραμονή με το κοπάδι του πατέρα του, αισθάνονται ότι θα μπορούσαν να τοποθετηθούν σε έναν άλλο πλανήτη. Είναι ένα από τα πιο ορατά οράματα Jodorowski που πάντα προέρχονται από κάποιον άλλο από τον Jodorowski. -CB

8. Οι ομπρέλες του Cherbourg ”; (1964)

'Ομπρέλες του Cherbourg'

Ένα από τα καλύτερα και πιο επιρροή μιούζικαλ που έγινε ποτέ, το τραγούδι του Jacques Demy δεν ήταν απλά επιτυχημένο στις Κάννες - έλαβε επίσης πέντε υποψηφιότητες για Όσκαρ, τρεις από τις οποίες ήταν για τη μουσική του. Ο Degrand και ο σεβαστός συνθέτης Μισέλ Λέγκραντ βάζουν μαζί ένα τρικέτινο ταπετσαρία για τους χαρακτήρες της Catherine Deneuve και του Nino Castelnuovo για να τραγουδήσουν το δρόμο τους και παρόλο που το 'I Will Wait For You' παραμένει το πιο γνωστό τραγούδι, δεν είναι σχεδόν το σκουλήκι. Ένα ρομαντικό δράμα για τους αιώνες, 'Οι ομπρέλες του Cherbourg' έχει επίσης τη σπάνια διάκριση να είναι τόσο μια οπτική απόλαυση όσο μια μουσική. -MN

7. “; Pulp Fiction ”; (1994)

'Pulp Fiction'

Miramax

Αυτά πολλά χρόνια αργότερα, ακόμη και οι πιο απαιτητικοί οπαδοί του Quentin Tarantino δεν μπορούν να διαφωνήσουν με την ονομασία του νικητή του Palme d'Or την καλύτερη του ταινία. Για καλύτερα ή χειρότερα, υπάρχουν λίγες ταινίες σε αυτόν τον κατάλογο ως πολιτιστικά συναφείς με το 'Pulp Fiction' - αντηχήσεις του 'νεκρού του Zed, μωρό' και ότι η περίφημη χορευτική σκηνή θα κυματίζει σε όλη την ποπ κουλτούρα για πάντα. Η ταινία 'Pulp Fiction' καθιέρωσε τον Ταραντίνο ως τον απόλυτο μεταμοντέρνο σκηνοθέτη, ικανό να μετατρέψει ένα ζωντανό αφιέρωμα γεμάτο με αμέτρητες κινηματογραφικές αναφορές σε ένα αυθεντικό κεραυνό μιας ταινίας που θα μετέβαλλε για πάντα την ανεξάρτητη ταινία . Όταν σκεφτόμαστε πόσα κακοί κανόνες ο Τάρατινο έσπασε για να κάνει το 'Pulp Fiction', είναι ένα θαύμα που κέρδισε καθόλου το ίδρυμα στις Κάννες. -JD

6. “; Kagemusha ”; (1980)

Ο Akira Kurosawa απέσπασε δύο από τα μεγαλύτερα κινηματογραφικά του επιτεύγματα στο λυκόφως της καριέρας του και ήταν και τα δύο τόσο δαπανηρά, φιλόδοξα έπιπλα εποχής που πολλοί σκηνοθέτες ξοδεύουν τη ζωή τους για να κάνουν. Με 'Kagemusha' ”; και “; Ran, ”; Η Kurosawa κατάφερε να παραδώσει ένα ζευγάρι ιστορικών αριστουργημάτων σχετικά με την αιματηρή ιστορία της πολεμικής πολεμικής ιστορίας της Ιαπωνίας και των παθιασμένων ηγετών. Ξεκινώντας το 1980 με το 'Kagemusha,' ”; Το Kurosawa κέρδισε το πρώτο του Palme d 'rsquo ή όταν πολλοί κινηματογραφιστές ίσως είχαν εγκατασταθεί για ένα επίτιμο βραβείο επίτευξης ζωής (κέρδισε ένα από αυτά, ένα Όσκαρ, 10 χρόνια αργότερα). Αυτή η νίκη μόνο (η οποία ευχαρίστησε εν μέρει από τον υπερ-ανεμιστήρα του Kurosawa Γιώργο Λούκα, ο οποίος βοήθησε στο σχέδιο για την ασφαλή στήριξη του αμερικανικού στούντιο), τον καθιστά νικητή για τις ηλικίες. Αλλά 'Kagemusha ”; έχει αυξηθεί μόνο πλουσιότερα με το χρόνο. Το ζωντανό δράμα του σκηνοθέτη εμπεριέχει την ιστορία ενός διασκεδαστικού κλέφτη που δίνεται να εργάζεται ως έλεος για έναν άρρωστο άρχοντα (Tatsuya Nakadai, και στους δύο ρόλους) για να κρύψει την ασθένειά του. όταν ο ηγέτης πεθαίνει, ο διπλός του αναγκάζεται να κρατήσει τις εμφανίσεις του, τόσο για την ίδια τη φυλή όσο και για τις αντιμαχόμενες φατρίες. Τελικά, το 'kagemusha ”; (ένα πολιτικό δόλωμα) καταλήγει στην ψευδαίσθηση της εξουσίας του με καταστροφικές συνέπειες. Η ταινία γίνεται ένας συναρπαστικός διαλογισμός για την απελπισία ενός εξασθενημένου ανθρώπου που αγωνίζεται να κρατήσει τις εμφανίσεις καθώς η Ιαπωνία εδραίωσε την εξουσία της στο πεδίο της μάχης. Η κλιμακωτική αναμέτρηση - μια ανασκαφική αναψυχή της μάχης του Nagashino, όταν χάθηκαν χιλιάδες ζωές - είναι ένα masterclass της αφηγηματικής φινέτσας: Kurosawa juggles τις κινήσεις των μαζικών στρατών σε συνδυασμό με τις αντιδράσεις ενός ενιαίου, αμηχανία θεατή καθώς παλεύει με ο τρόμος του πολέμου και το ιδεολογικό τσίμπημα της ήττας. Πρόκειται για μια προσωπική κινηματογραφική ταινία μεγάλου μεγέθους και ένα οραματικό επίτευγμα από έναν σκηνοθέτη που τροφοδοτεί τις δεκαετίες επιτυχιών του σε κάθε πλαίσιο. -EK

5. “; Αποκάλυψη τώρα ”; (1979)

'Αποκάλυψη τώρα'

Zoetrope / Ενωμένοι καλλιτέχνες / Kobal / REX / Shutterstock

'Αυτό είναι το τέλος', οι κρόνοι Jim Morrison της The Doors, καθώς οι απεργίες πυρκαγιάς φωτίζουν μια σειρά δέντρων στο Βιετνάμ. Ο καπετάνιος Willard (Martin Sheen) καπνίζει στο κρεβάτι, κοιτάζοντας έναν ανεμιστήρα οροφής πριν ξεκινήσει ένα σουρεαλιστικό, ναρκωτικό με το πλοίο, από το Νότιο Βιετνάμ προς την Καμπότζη για να βρει τον αδίστακτο συνταγματάρχη Kurtz (Marlon Brando ). Ελεύθερα προσαρμοσμένη από τον Coppola και τον John Milius από την 'Καρδιά του Σκότους' του Joseph Conrad, η 'Αποκάλυψη Τώρα' μπορεί να υπερηφανεύεται για τόσα εικονικά στιγμιότυπα, που είναι δύσκολο να θυμηθούμε ότι αναμενόταν να είναι πλήρης καταστροφή. 'Λατρεύω τη μυρωδιά του ναπάλμ το πρωί', λέει ο σολίστ Kilgore (Robert Duvall). Τα ελικόπτερα πετούν σε σχηματισμό πάνω από τη θάλασσα συνοδευόμενα από το 'Ride of the Valkyries' του Wagner. Μετά από χρόνια καθυστερήσεων στις Φιλιππίνες, συμπεριλαμβανομένης της καρδιακής προσβολής της Sheen και των καταστροφών που καταστράφηκαν από τυφώδες (που γράφτηκε από τον Eleanor Coppola στο 'Hearts of Darkness: The Apocalypse of Filmmaker' ), Ο Francis Ford Coppola εξέτασε την ταινία 'Apocalypse Now' σε μια τριήμερη δουλειά που βρίσκεται σε εξέλιξη στις Κάννες, όπου η ριψοκίνδυνη υποδοχή ήταν αρκετή για να δώσει στον αηδιασμένο σκηνοθέτη κάποια εμπιστοσύνη για να τελειώσει την περικοπή του, έτσι ώστε οι United Artists να το κυκλοφορήσουν τον Αύγουστο -the-art-surround sound-όταν ήταν ένα χτύπημα. (Η νέα 'τελική' έκδοση 4K Dolby Atmos της Coppola μόλις προβάλλεται στο Φεστιβάλ Κινηματογράφου Tribeca). Η ταινία συνδέθηκε με το 'The Tin Drum' και κέρδισε 'Norma Rae' και 'Days of Heaven'. θεωρείται μία από τις καλύτερες ταινίες που έγινε ποτέ. -ΣΤΟ

4. “; Viridiana ”; (1961)

Όταν μια ταινία κερδίζει το Palme d'Or, απαγορεύεται στην πατρίδα του και αποκηρύσσεται από το Βατικανό, πρέπει να κάνει κάτι σωστό. Αυτό συμβαίνει με το αριστούργημα του 1961 του Luis Buñuel, το οποίο αισθάνεται λιγότερο τολμηρό σήμερα από ό, τι πρέπει να έχει πριν από περίπου 60 χρόνια. Ο υπερρεαλιστικός πλοίαρχος εδώ στρέφει την προσοχή του σε έναν νεωτεριστή του οποίου το σχέδιο για να πάρει τους όρκους του περιπλέκεται από μια πρόσκληση να επισκεφτεί τον θείο του - ένας άνθρωπος που βλέπει στην ανιψιά του μια ομοιότητα με την αγαπημένη του συγγενή. Αυτό που ακολουθεί είναι σκανδαλώδες, φυσικά, και απεικονίζεται με το είδος του πνεύματος και της κυριότητας που Buñuel έκανε μια σταδιοδρομία από. Όσο για τις προθέσεις του, ο σκηνοθέτης το έθεσε όπως μόνο θα μπορούσε: 'Δεν κατάλαβα ότι ήταν βλάσφημος, αλλά ο Πάπας Ιωάννης ΧΧΙΙΙ είναι καλύτερος κριτής τέτοιων πραγμάτων απ 'ό, τι εγώ είμαι'. -MN

3. 'La Dolce Vita' (1960)

Fellini με το Palme d'Or

Wehrle / AP / REX / Shutterstock

Ίσως ο οριστικός πλήθος των Cannes, ο Federico Fellini και το magnum opus, είναι μια πλούσια ιστορία για την αναζήτηση της ομώνυμης γλυκιάς ζωής κατά τη διάρκεια μόλις επτά ημερών στη Ρώμη. Η ταινία του Fellini δεν ήταν μόνο ένα τεράστιο χτύπημα, το οποίο μόνο σφράγισε τη θέση του ως ένας από τους μεγαλύτερους κινηματογραφιστές του κινηματογράφου, αλλά μια ταινία που έδωσε στον κόσμο τολμηρή μόδα, έξυπνα νέα λόγια και λόγια (hello, & paparazzi ” ;!) , και μερικές απίστευτα πλούσιες υπαρξιακές ερωτήσεις για να μασήσουν. Ως δημοσιογράφος διασημοτήτων Marcello Rubini, ο Marcello Mastroianni ήταν, και θα είναι πάντα ένας εντυπωσιακά μοντέρνος άνθρωπος, και οι ερωτήσεις που αντιμετωπίζει καθώς γλεντά τη Ρώμη - όπως, θέλει απλώς να διασκεδάσει ή πραγματικά ενδιαφέρεται να κάνει κάτι ουσιαστικό με τη ζωή του; - είναι διαχρονικά. Αλλά αυτό δεν σημαίνει ότι μπορεί να είναι διασκεδαστικό να παρακολουθήσετε και ενώ ο νικητής του Fellini δεν αφήνει το ακροατήριό του μακριά από το άγκιστρο, όταν πρόκειται να σκεφτεί τα πραγματικά κότσια της ζωής, το κάνει με τόσο πολύ στυλ και σπάστε ότι σχεδόν (σχεδόν!) ξεχάσετε τι πραγματικά σας ζητάει. -KE

2. “; Το Leopard ”; (1963)

'Ο Λεοπάρδαλος'

Κάτω από τις πλούσιες παγίδες του 1963 του Luchino Visconti κερδίζει την καρδιά των πιο τραγικών προσωπικών και πολιτικών δράσεων. Προσαρμοσμένο από το ίδιο όνομα του Giuseppe Tomasi di Lampedusa, το ιταλικό έπος ακολουθεί τις πεντανόστιμες ημέρες της αριστοκρατίας της Σικελίας μέσα από τα μάτια του ίδιου του ομότιμου λεοπάρδαλου Don Don Fabrizio Corbera (που παίζεται από τον Burt Lancaster σε ένα από τα καλύτεροι ρόλοι, αν και το casting του ήταν αμφιλεγόμενο εκείνη την εποχή). Η ταινία χαρακτηρίζεται από δύο μακριές ακολουθίες, οι οποίες μάλλον θα έχουν χαρακτηρίσει την ταινία ως αριστούργημα και το επίτευγμα της Visconti: μια σκηνή μάχης 25 λεπτών που δεν σκιάζει τη φρίκη και μια 45λεπτη ακολουθία χορού βλέπει τον Don Fabrizio να κάνει ποδηλασία σχεδόν με κάθε συναίσθημα, κάθε σκέψη, κάθε κίνηση με συναρπαστική συναισθηματική επιδεξιότητα. Είναι μια ταινία για το αναπόφευκτο πέρασμα του χρόνου, αλλά τίποτα δεν αισθάνεται (ακόμα και τώρα!) Ή από το βιβλίο. Το πρώτο κομμάτι της Visconti έσπρωξε ένα χρόνο εκτέλεσης 205 λεπτών - χωρίς έκπληξη, λαμβάνοντας υπόψη αυτές τις υπέροχες μακριές ακολουθίες - και μειώθηκε στα 195 λεπτά για τις Κάννες, στη συνέχεια 185 λεπτά για μια ιταλική κυκλοφορία, με την αγγλική έκδοση μεταγλωττισμένη στα 161 λεπτά . Ακόμα, είναι μια ταινία που απαιτεί να δει κανείς σε μια πλήρη, γιατί ποιος θα μπορούσε να γνωρίζει καλύτερα ότι κάθε λεπτό μετράει από τον ίδιο τον Don Fabrizio Corbera; -KE

1. “; Taxi Driver ”; (1976)

'Οδηγός ταξί'

Columbia Pictures

Fellow Palme d 'rsquo Ή ο νικητής Quentin Tarantino κάποτε κάλεσε “; Taxi Driver ”; η σπουδαιότερη μελέτη χαρακτήρων πρώτου προσώπου που έχει δεσμευτεί ποτέ να κινηματογραφήσει και δεν είμαστε εδώ για να διαφωνήσουμε. Αυτό που ήταν τόσο αξιοσημείωτο για αυτήν την περίοδο στην καριέρα του Scorsese είναι ότι θα μπορούσε να δει έναν ρατσιστικό ψυχοπαθή όπως ο Travis Bickle (Robert Deniro) ακριβώς στο μάτι, να μην κάνει δικαιολογίες ούτε να γυαλίζει κανένα από τα κονδυλώματά του, αλλά να μας καλέσει με κινηματογραφικό τρόπο στον κόσμο του με τρόπο που μας έκανε να τον καταλάβουμε. Η ψευδαισθητική εικόνα του Scorsese που αναμιγνύεται με τη φωνή του σκηνοθέτη Paul Schrader και του μπράτσα του συνθέτη Bernard Hermann δημιουργεί ένα εφιάλτικο όραμα της Νέας Υόρκης το 1976 που είναι τόσο γεμάτο με φιλική έκπληξη που είναι τόσο απολαυστικό όσο τρομακτικό.

Στην αληθινή μορφή Paul Schrader, η ταινία μας θέτει για να αντιμετωπίσουμε τη βία και την τρέλα με έναν άβολο, αιματηρό και τρελό τρόπο μέχρι το τέλος. Είναι ένα αμφιλεγόμενο τέλος, ο τύπος που οδηγεί συνομιλία σε κύκλους cinephile και απωθεί τους θεατές σε ορδές. Και όμως, πάνω από 40 χρόνια αργότερα, αυτό το στριμμένο, σκοτεινό πορτραίτο ενός ψυχοπαθούς δεν είναι απλώς ένα πολύτιμο κόσμημα Criterion Collection, αλλά ένα αμερικάνικο κλασικό κλασικό, που αναφέρθηκε ('Μου μιλάς;') και ξαναγυρίστηκε σαν να το σκέφτεσαι 'Jaws ” . ή 'Ο Νονός.' ”; Δεν υπάρχει εικόνα στην ιστορία του κινηματογράφου που περιέχει κάτι σαν το ακίνητο που κατέχει ο οδηγός ταξί. -CO



Κορυφή Άρθρα

Κατηγορία

Ανασκόπηση

Χαρακτηριστικά

Νέα

Τηλεόραση

Εργαλειοθήκη

Ταινία

Φεστιβάλ

Κριτικές

Βραβεία

Εκδοτήριο

Συνεντεύξεις

Clickables

Κονίστρα

Βιντεοπαιχνίδια

Podcast

Περιεχόμενο Σήματος

Βραβεία Εποχής

Φορτηγό Με Ταινίες

Επιρροές

Ταινία

Τηλεόραση

Βραβεία